L'interview stimulante de l'illustrateur Perry Allen

Publié le 20 avril 2017 par Souris de Coton dans Artistes & Inspiration - Digital Painting, Interview - 16

Cette semaine est placé sous le signe de l'interview puisque aujourd'hui encore, Perry Allen se livre à nous à cœur ouvert et en toute franchise sur son parcours !

Perry Allen est un illustrateur à l'univers coloré et aux personnages souvent anthropomorphes ! Leurs visages expressifs d'une très belle justesse mêlés aux atmospheres vibrantes touchent la corde sensible de notre enfance.

Vous pouvez retrouver son travail ici :

• Sa galerie sur ArtStation
• Son Tumblr
• Son profil Facebook

Merci beaucoup à Perry Allen qui a répondu avec beaucoup de patience et de générosité à nos questions! Je vous laisse donc sur la découverte de l'artiste à travers cette interview entrecoupée d’une sélection de ses illustrations !

Bonjour Perry! Pour commencer, quand et où êtes-vous né? Et où vivez-vous en ce moment?

Bonjour ! Je suis né en 1992 et j'ai passé mon enfance dans une petite ville appelée Ware, en Angleterre. En ce moment, je vis à Londres avec mes meilleurs camarades de l'université!

Parlez nous un peu de vous : Qu'est-ce qui a suscité votre intérêt pour l'art numérique? Avez-vous des antécédents scolaires dans ce domaine ?

Je suis un artiste indépendant et quelque peu sous-alimenté, faisant de l'art et des dessins pour l'animation et les jeux. J'ai toujours été excité par l'art, en particulier par les dessins animés et les personnages. J'avais l'habitude de regarder (et toujours aimer) des dessins animés comme "Ed,Edd et Eddy" et "Foster, la maison des amis imaginaires", tout ce qui mettait l'accent sur la relation entre les personnages. Quand j'étais plus jeune, je rentrais de l'école et ingurgitais tous les dessins animés que je pouvais, même si je les avais déjà vu et revu. J'ai adoré les dessins où les personnages avaient vraiment une chimie. Je me sentais mal pour eux quand les choses se passaient mal ou lorsqu'ils entraient en combat, et j'étais regonflé à bloc quand quelque chose de bien arrivait pour eux ! J'essayais de me rappeler comment les personnages étaient et je les dessinais du mieux que je pouvais de mémoire. Si mes parents ou amis reconnaissent le dessin animé d'où ils étaient tirés j'étais super heureux, même si mes dessins n'étaient pas si bons.
Cet attachement aux dessins animés et à l'animation m'a collé depuis. Je pensais que tout le monde devait aimer les dessins animés vu que je les aimais, mais il est devenu clair vers 15 ans que tout le monde dans mon groupe d'amis en avait, en quelque sorte, fini avec eux. J'ai décidé que même si personne autour de moi n'était autant passionné par ça que moi, c'était important pour moi, alors je m'y suis accroché. J'ai étudié beaucoup à l'école et obtenu de bonnes notes, mais rien ne m'a autant fait vibrer que le dessin. Lorsque nous devions choisir ce qu'il fallait étudier vers la fin du secondaire, j'ai entendu dire que l'université à proximité était populaire en raison de ses cours de jeux vidéos, de vfx et d'animation. Quand j'ai pensé à la possibilité de faire mes propres animations, j'ai eu une sorte de vision tunnel où rien d'autre n'a eu d'importance que l'art. J'ai rempli mon emploi de temps avec presque exclusivement des cours d'art.
J'avais un portfolio de personnages et de dessins figuratifs lors de ma candidature à l'université, et j'ai heureusement eu une place sur le cours d'animation 2D. Étudier là-bas a été une grande révélation à tous les autres types d'art et d'artistes, j'étais soudain entouré de personnes qui aimaient les dessins animés, les jeux vidéos et les films autant que moi. Je pense que rencontrer d'autres personnes était la meilleure partie de mon éducation artistique. Les cours eux-mêmes ont été utiles pour me motiver à améliorer rapidement, mais c'est surtout les conférenciers et les collègues qui ont été vraiment inspirants et m'ont convaincu que c'était le mode de vie fait pour moi. De plus en plus, j'appréciais le processus de création, et cela m'a mené principalement au concept art et à l'illustration.

Depuis combien de temps êtes-vous dans le domaine?

Je suis diplômé de l'université depuis 2014, et j'ai depuis travaillé comme artiste concept freelance , donc environ 3 ans. J'ai travaillé autant chez moi qu'en interne, mais je préfère beaucoup travailler avec les gens.

Vos personnages sont souvent des animaux dans des scènes pleines de couleurs, pourquoi cette attrait pour ce genre de personnages?

C'est une question pertinente ! Disons simplement qu'ils sont ce que j'aime le plus peindre. Et en fait, pas seulement en peinture, mais les animaux en général, j'aime ce à quoi il ressemble et comme ils peuvent se comporter de manière si similaire aux humains, et en même temps être si différents. Ils ont un caractère immédiat lorsque vous les regardez, et je pense qu'il est intéressant de s'en servir pour ajouter une couche supplémentaire d'intérêt pour une histoire.
Je pense qu'ils sont aussi une excellente façon de parler au public. Les animaux ne sont pas liés par les mêmes restrictions culturelles et sociales que nous avons dans la société humaine, de sorte que les personnages que nous leur attribuons peuvent également être libres de ces restrictions, nous pouvons faire des liens avec eux indépendamment de notre expérience personnelle. Ils contribuent également à présenter des thèmes et des histoires difficiles à traiter normalement. "La ferme des animaux" de George Orwell en est un excellent exemple; À la surface, c'est un conte qui met en scène certains animaux qui chassent un agriculteur abusif et tentent d'établir leur propre leadership, mais c'est aussi le regard d'Orwell sur le climat politique de l'époque. En utilisant un paramètre de ferme avec des animaux, il présente l'histoire d'une manière plus impactante et mémorable.
En termes de couleur et de lumière, je les utilise pour attirer l'attention sur l'histoire ou l'humeur. Si j'essaie d'évoquer un sentiment, je vais utiliser une configuration d'éclairage et de couleurs qui amplifient ou retranscrivent ce sentiment.

Quand je regarde votre travail, cela me fait souvent penser à la BD "Blacksad". Vous la connaissez ? Quelles sont vos
sources d'inspiration? Qui sont les artistes qui vous inspirent ?

Oui! "Blacksad" est ma BD préférée ! Je pense qu'elle est géniale ! Elle montre à quel point l'utilisation des personnages animaux peut être efficace pour faire face à des scénarios assez sombres et réalistes. Ils sont utilisés de manière intéressante : vous savez que deux personnages sont liés en raison des marques sur leur fourrure, vous savez qu'une belette n'est pas la bienvenue quand elle rentre dans un bar rempli de reptiles dangereux. J'apprécie vraiment le style de Juanjo Guarnido, ses scènes sont très lisibles et expressives. Tous les personnages que nous voyons sont une partie active de la scène et ont leur propre personnalité, même s'ils sont à l'arrière.
Pour ce qui est d'une autre inspiration, je suis un grand fan d'artistes qui utilisent la lumière et la couleur pour donner une forte atmosphère. Je pense que Robert Kondo et Dice Tsutsumi de Tonko House sont deux de mes plus grandes influences, leurs choix de couleurs montrent une grande compréhension de la lumière, et ils combinent cette connaissance avec des personnages fantastiques pour créer un style vraiment attrayant.
Nathan Fowkes est également une grande inspiration, son style est très contrôlé, parfois il utilise seulement quelques traits dans un tableau, mais vous avez déjà un fort aperçu de la scène rien qu'avec ça. Il a définitivement la main pour me montrer que "moins est plus", le réalisme dans son travail vient de l'impression que vous obtenez d'une scène dans son ensemble. Utiliser les bonnes touches de couleurs peut être aussi convaincant qu'un rendu super détaillé.
Je pense que c'est la combinaison de formes fortes et les travaux impressionnistes qui m'attire beaucoup; Des choses qui vous donnent une lecture très claire d'un coup d'œil, mais si vous regardez plus loin, il y a une variation à l'intérieur.
En dehors de l'œuvre d'art elle-même, je m'inspire principalement de la façon dont les gens interagissent. Lorsque vous êtes avec votre meilleur ami et que vous trouvez ensemble quelque chose de drôle, ou vous êtes triste, et quelqu'un comprend pourquoi. Même assis à côté de quelqu'un dans un arrêt de bus et vous essayez de deviner quel genre de jour ils ont eu. Je pense que ce sont des moments puissants, aussi petits qu'ils soient. Je considère quelque chose comme un succès si le spectateur peut créer un lien, avoir de l'empathie avec ce qui se passe, l'endroit ou les personnages.

Quelle est votre meilleure expérience dans votre carrière? Et pourquoi ? Et, quelles sont (ou avez-vous) vos difficultés dans votre travail?

Mon expérience préférée jusqu'ici a travaillé chez Sony London sur VR Worlds, un jeu de réalité virtuelle pour PS4. C'est génial d'être capable de regarder autour et de passer à travers une scène, même pendant les cutscenes. Faire en sorte que quelqu'un vous menace de près vous met vraiment en défensive. C'est vraiment très cool de voir les choses que j'ai conçues dans le jeu, même des petites choses que vous pouvez ramasser et rapprocher de votre visage, de sorte que même les éléments mineurs sont à un moment à l'honneur. Voir une chose que vous avez conçue à l'écran est une chose, mais lorsque vous le récupérez ou que vous vous baladez avec en jeu, c'est très gratifiant.
L'équipe de Sony Londres est également très inspirante, elle est très talentueuse et peut travailler rapidement. J'essaie d'absorber autant de connaissances que possible chaque fois que je suis là bas, tout le monde est toujours disposé à partager des pépites d'or d'informations, vous avez juste à demander. Je pense qu'ils ont beaucoup de succès dans la narration dans VR. Avec le casque, il y a moins de possibilités de contraindre la vision du public, de sorte que l'action doit se dérouler de manière la plus réaliste possible. Et il en va de même pour la conception, il existe des indices pour vous donner un coup de coude dans la bonne direction.
Le sens de l'échelle qui est possible est incroyable, mais cela pose ses propres défis. Les choses près de vous semblent très grandes, même les petits objets que vous prenez semblent énormes quand vous les regardez de près, alors vous devez continuer à les regarder à travers les casques pour décider si quelque chose est la bonne taille par rapport à tout ce qui l'entoure. C'était très amusant et difficile de travailler sur les dessins pour le jeu, mais j'aimerais bien retravailler avec VR à un moment donné!

Comment avez-vous un équilibre entre votre projet personnel et votre projet indépendant? Avez-vous parfois des frustrations?

Pour moi, c'est un acte d'équilibre sans fin, il n'y a pas assez d'heures dans la journée! Mon approche habituelle, en particulier lors du freelance, consiste à essayer de garder une longueur d'avance dans un travail chaque fois que possible. De cette façon, quand peindre mes propres idées me démange, je n'ai pas à me soucier de combien de temps je me suis laissé. Ou je n'ai pas à attendre jusqu'à tard dans la soirée pour travailler dessus. Cela peut me faire tomber de fatigue si je reste tard à travailler sur mes projets personnels et le lendemain je suis super ramollo, alors j'essaie d'éviter ça.
Si je commence à travailler dès le début de la journée, ça signifie que je peux dessiner mes idées pendant la journée au gré de leurs arrivées. De cette façon, elles ne se dessèchent pas pendant qu'elles patientent dans ma tête et je garde l'excitation initiale pour alimenter le processus.
Je suis frustré lorsque les illustrations finissent par se traîner, soit parce que je continue à changer d'avis sur les décisions que j'ai prises plus tôt, ou parce que je n'arrive pas à combiner certains éléments ensemble comme je le voudrais. Si je passe trop longtemps sur quelque chose, il peut être trop détaillé dans les mauvaises zones. Finalement j'essaye de repasser sur mes détails alors que je devrais regarder l'image dans son ensemble. Je perds l'impact que l'esquisse avait à l'origine, ce qui ressemble à un échec et peut me faire prendre de la distance avec le painting. Je pense qu'il est bon d'être auto-critique, mais ce n'est certainement pas utile quand il arrive au point de m'interdire de progresser. Maintenant, quand je suis énervé, j'essaie de travailler sur quelque chose d'autre, ou de faire une pause pour me rafraîchir l'esprit!

Travaillez-vous en tant que Freelancer la plupart du temps? Si oui, pourriez-vous nous parler de vos clients? Qui sont-ils? Quels types de projets vous intéressent le plus?

Depuis l'obtention du diplôme, j'ai consacré environ la moitié de mon temps à travailler en studio, et la moitié travaillé de façon autonome. J'ai travaillé principalement pour des contrats à court terme qui nécessitent des retours rapides, et cela m'aide à rester à l'écart d'une routine. Lorsque quelque chose est demandé rapidement, je pense plus librement et ne m'embête pas trop dans les premiers stades du painting. Je finis souvent par un meilleur résultat que si j'avais eu beaucoup plus de temps pour faire la même tâche. J'essaie d'appliquer ce flux de travail rapide à mon travail personnel. Je travaille principalement sur des dessins pour les jeux vidéos et l'animation, VRWorlds étant le principal, mais aussi pour d'autres jeux en ligne, des illustrations pour les livres, des storyboards pour les émissions de télévision et les publicités.
Le genre de travail que j'apprécie le plus est le concept art et la conception de personnage. Je trouve que tisser une histoire ou donner vie à un univers est très satisfaisant. Aussi, j'aime travailler avec d'autres artistes! J'apprécie ce processus et j'apprends plus en travaillant avec d'autres personnes. Le projet finit par être quelque chose avec tous nos processus de pensée impliqués. Il n'aurait pas été aussi fort si nous y avions chacun travaillé seul. C'est le meilleur sentiment quand quelqu'un "reçoit" et comprends ce que vous lui donnez et ajoute à l'illustration des choses qui ne font que l'améliorer.
Je fais aussi de l'animation de personnage de temps en temps, mon premier travail dans le domaine a porté sur un spectacle appelé Bing Bunny en tant qu'artiste de Keyframe. Je me suis plutôt intéressé par le côté de la conception, mais j'aime encore le travail d'animation à de plus petites doses chaque fois que l'occasion se présente.

Quels sont vos projets actuels ou attendus - si vous pouvez nous le dire?

Je travaille actuellement sur un contrat en cours, de sorte que je ne suis pas sûr de ce que je peux et ne peux pas mentionner, mais pour résumer, le genre de travail est de la pré-production pour de l'animation et des livres pour enfants en freelance. Je me réjouis d'avoir un rythme de travail plus rapide avec une conception plus relâché et décontract' car il s'agit d'un domaine que je souhaiterais améliorer. Mais j'ai besoin de rester en contact avec d'autres artistes et amis, de sorte que je ne me sente pas trop déconnecté.

Est-ce que vous vivez du painting ?

J'ai la chance de me maintenir et de vivre grâce à l'art. Il y a des projets plus passionnants que d'autres, mais je pense que, surtout si vous commencez votre parcours artistique, une certaine polyvalence peut faire une grande différence. Être bon dans votre passion doit toujours être votre priorité absolue, mais par exemple pour un concept artiste, qui allie le dessin et la peinture, il est utile d'avoir une connaissance du logiciel 3D, Maya ou Zbrush, ou être en mesure de travailler dans des styles radicalement différents, etc. De cette façon, il existe potentiellement d'autres projets auxquels que vos mains pourront exécuter.

Quelle partie de la création est votre préféré? Pouvez-vous nous en dire plus sur votre processus créatif et les outils que vous utilisez?

Ma partie préférée de la peinture est durant les premières étapes où je découvre les prémices de l'idée qui va m'occuper pendant quelques jours. Cela me rend parfois anxieux de regarder une page blanche, parfois je passe par beaucoup de croquis et de vignettes sans en voir un ou une qui me contente. Mais quand j'arrive à un point où je distingue où je peux aller, c'est comme si vous voyez soudainement un panneau indiquant que vous êtes dans la bonne direction, "continuez maintenant!" Pour moi, c'est le meilleur sentiment - arriver à un point où le reste de l'image se peint pratiquement comme si tous les ingrédients était à la bonne place pour ça.
Je travaille généralement comme si l'art faisait partie d'un film ou d'une animation. J'apprécie les conceptions de personnage et les décors, mais quand je travaille sur un tableau, je tente de l'encadrer comme si c'était un film fixe. Je me concentre sur l'encadrement et la composition d'abord, généralement sur papier, puis je vais aller plus loin dans Photoshop et le peindre une fois que je suis content. Je vais faire une scène petite et en noir et blanc, puis une fois que je l'ai senti à ce niveau, je vais la rendre plus grande et ajouter des éléments plus fins. J'utilise un logiciel gratuit appelé PureRef pour contenir des images de référence sur un écran, donc c'est là quand j'en ai besoin.
Je pense que les étapes les plus importantes d'un concept se produisent au début, si quelque chose ne fonctionne pas, je vais le laisser tomber ou essayer d'autre chose, je ne fais pas dans le sentimentalisme avec mes idées. Je demande également à des amis des commentaires, y compris ceux qui ne sont pas liés au domaine de l'art. Je souhaite que mon travail soit disponible pour autant de personnes que possible, alors si je montre un ami et qu'ils ne comprennent pas ce qui se passe, cela signifie que quelque chose ne fonctionne pas et que je dois apporter des modifications.

J'adore vraiment votre création «To tears» (illustration juste en dessous de la question), l'atmosphère, l'expression de vos personnages et la narration, pourriez-vous nous en dire plus sur cette œuvre?

Merci beaucoup! J'ai vraiment apprécié celui-ci. Je pensais qu'il serait intéressant de faire quelque chose avec plus de drame. Au début, j'ai essayé de dessiner quelqu'un qui protégeait un autre enfant d'un tyran. Cependant, quelque chose n'allait pas et j'utilisais des clichés pour diaboliser le personnage intimidateur, de sorte que je me suis concentré sur la relation entre les deux personnages. Je les ai rapprochés de la caméra, j'ai changé l'expression du tigre et j'ai laissé tomber le troisième personnage. J'ai passé un moment à travailler sur leur langage corporel, l'enfant est à la merci du tigre, mais le tigre n'envisage pas la situation davantage, il est juste là. Je pense que c'est l'œil de la tempête, le moment où la situation pourrait aller dans les deux sens et j'ai voulu laisser cette porte ouverte.
Tout le reste dans le cadre est orienté vers la situation impuissante du cerf. Les couleurs sont oppressives, elles sont séparées de tous ceux qui pourraient aider par une clôture, et il n'y a personne autour qui puisse l'aider de toute façon. Le cerf est également coincé dans le coin du cadre, il n'y a nulle part où aller. Habituellement, je pense que mon style est adapté à des scènes plus brillantes, mais depuis cette pièce, j'ai commencé à me concentrer sur des thèmes plus lourds. Je trouve qu'ils sont aussi proches de nous, des choses qui affectent notre vie à un moment donné.

Comment avez-vous réussi à trouver un style personnel?

Je pense à un style comme à une sorte de recette. C'est une combinaison d'influences visuelles que vous appréciez, un sujet qui vous intéresse et mélangé à vos propres interprétations. J'ai commencé par copier des artistes et des dessins animés que j'aimais comme un enfant, alors les styles (et comment je les ai interprétés) se sont mélangés lorsque j'ai commencé à dessiner mes propres personnages. Ensuite, j'ai appris plus sur les principes fondamentaux, et cela a commencé à m'améliorer aussi.
En fin de compte, le style est personnel et unique. Personne n'a le même cerveau, donc différents artistes peuvent dessiner le même sujet, et quelque chose de différent sera plus important pour chacun d'eux. Si certaines couleurs attirent votre attention plus que d'autres, alors peut-être vous concentrez-vous la dessus. Si vous êtes attiré par certaines formes ou angles, alors peut-être que vous les accentuez. En plus de cela, vous pouvez également regarder ce qui rend un design attrayant et exagérer des éléments pour une raison. Je dirais que mon style est fortement influencé non seulement par le sujet, mais par tous les styles existants que j'aime, et aussi par ce que je trouve intéressant quant à la lumière et la couleur. J'aime les designs clairs et les formes fortes. Je suis un fan de l'impressionnisme, donc je pense que cela ressort quand je peins, surtout dans mon paysage.

Quelle a été votre plus grande lutte ou échec dans votre parcours artistique? Comment l'avez-vous surmonté?

Il y a environ un an, j'ai eu une crise de confiance. Je pouvais voir que les normes des artistes en ligne étaient si bonnes que cela ressemblait à nouveau à une route sans fin. J'ai pratiqué beaucoup et j'ai essayé d'être plus rapide, mais d'une certaine manière, ils sont capables de générer un travail génial de manière constante. Cela m'a mis de mauvaise humeur et m'a fait voir mes propres dessins d'un très mauvais oeil. J'ouvrais Photoshop après le travail, commençais à esquisser, décidais qu'il s'agissait d'ordures et je le fermais à nouveau. J'étais préoccupé à l'idée de faire une peinture finie chaque fois que j'ouvrais Photoshop. Je pensais que, qu'à chaque fois que je créais quelque chose il fallait qu'elle soit meilleur que ma dernière pièce, sinon c'était inutile. Ce sentiment s'est coincé en moi pendant des mois et m'a fait me sentir très mal, mais il s'estompait lentement quand j'ai cessé de me concentrer sur le but final, et plutôt à l'endroit où j'étais en ce moment. Un ami m'a dit que si je n'aimais pas ce que je faisais, alors, peu importe si j'étais bon, je serais toujours mécontent du résultat. Cela a été une révélation.
Pendant un certain temps, j'ai dessiné des choses qui ont très satisfaisantes pour y remédier, qui n'étaient pas destinées à un portfolio ou à un projet, des petits croquis et peintures que j'aimais faire parce qu'ils se trouvaient dans ma zone de confort. Lorsque je n'avais pas d'idées, je prenais le temps de faire des études (et je le fais toujours), ce qui m'a vraiment fait me sentir mieux. J'étais en train d'apprendre même si je me sentais frustré, et, finalement, cette frustration était aussi bonne.
Je suis encore irrité dans le processus, mais je pense que le contentement général avec juste être un artiste essayant de faire du bon travail m'a rendu heureux. Maintenant, je me concentre davantage sur essayer d'être aussi bien que je peux être personnellement, plutôt que de comparer mon voyage à tous les autres.

Combien de temps pouvez-vous travailler sur une illustration?

Généralement, je vais passer 2-3 soirées sur des peintures personnelles, entre 10-15 heures. J'aime laisser des images du jour au lendemain, car je verrai souvent le lendemain avec des yeux frais des erreurs ou des modifications que je n'ai pas remarqué auparavant. Les plus petits croquis et les études prennent entre 30 minutes et quelques heures. Habituellement, je vais terminer la plus grande partie du painting dans les 5 premières heures, et le temps restant que je vais passer à faire les choses plus peintes, ajouter des détails ou ajuster les couleurs, déplacer les choses un peu près de la fin pour voir si elles Travailler mieux.

Qu'est-ce qui vous fait lever le matin?

J'essaie de laisser les choses pour le lendemain que je suis ravi de me lever et de faire. J'aime avoir peintures commencées dans la soirée, ou me mettre quelque chose à faire le matin, qu'une fois réveillé j'ai hâte de le faire. Il peut être très difficile de sortir du lit, en particulier lorsque vous travaillez à la maison, mais je trouve que je me sens beaucoup mieux les jours où je me suis forcé à sortir du lit. Actuellement, je commence par des projets personnels qui m'aident à échauffer avant le travail. Si je commence à travailler à 9 heures et je peux me réveiller à 6 heures, et c'est 3 heures de temps libre, baby! J'essaie également d'utiliser les matins pour apprendre un logiciel 3D qui peut faire un changement de rythme rafraîchissant si je suis coincé dans une ornière avec la peinture.

Quel conseil donneriez-vous aux personnes qui souhaitent commencer une carrière dans la peinture numérique?

Je dirais de vous concentrer sur ce que vous aimez faire! La polyvalence est bonne, mais par exemple si vous voulez être un artiste de personnage, alors remplissez votre portofolio avec des personnages. Une galerie pleine de véhicules et d'architecture ne vous aidera pas à atteindre ce but. Les choses que vous appréciez sont susceptibles d'être vos plus grandes forces, votre intérêt pour le sujet alimentera vos progrès.
Essayez de trouver un équilibre entre ce que vous faites pour la pratique et ce que vous faites pour votre portfolio. J'aimerais avoir fait cela plus tôt, tout ce que j'ai peint, j'ai essayé de considérer comme une «pièce finie» et je l'ai inclus avec mon autre travail, même si ce n'était pas au même niveau. Un travail de qualité est mieux qu'un travail de quantité!
Aussi, profitez-en! Les gens doivent être en mesure de vous embaucher! Postez votre travail en ligne, partagez-le avec des amis et d'autres artistes, participez aux rencontres chaque fois que possible. J'ai eu des amis et des collègues qui m'ont suggérer des petites pépites d'informations qui ont changé tout mon processus pour le mieux.

Quels sont vos hobbies sur votre temps libre?

Je passe la plupart de mon temps libre à la peinture, mais je m'assure de faire des pauses et de faire d'autres choses qui ne sont pas liées à cela. J'aime écrire des histoires d'horreur et fantastiques, cela peut m'aider à penser aux idées sous un angle différent. Je joue aussi de la guitare et j'aime écrire des chansons. Cela m'éloigne de l'ordinateur et c'est un bon sentiment d'écouter une chanson sur laquelle j'ai travaillé. Si le dessin n'était pas ma principale passion, je pense que la musique serait une seconde proche. Je ne peux pas passer une heure sans musique, j'écoute des chansons tout le temps quand je peins, ça m'aide à être de bonne humeur dans tout ce que j'entreprends.

Qu'est ce qui arrivera dans le futur pour Perry Allen?

Je travaille actuellement sur un roman graphique que j'aimerais terminer au cours des 1-2 prochaines années. Il est situé dans une ville de banlieue tranquille peuplée de personnages d'animaux (quelle surprise!), et suit la vie quotidienne de Ferris, un jeune et introverti garçon tigre. Un jour, en automne, son père meurt de façon inattendue, et l'histoire se concentre sur sa lutte pour accepter la perte de son modèle et de son meilleur ami. Sans trop en dire, il est fortement axé sur la façon dont nous nous confrontons et nous adaptons aux stades difficiles de la vie, et comment ceux qui nous entourent contribuent à cela.
À long terme, j'ai toujours un désir de travailler dans un studio avec des artistes dont j'aime l'œuvre, de combiner et de développer des idées et de faire d'excellentes histoires.

Des conseils, des conseils ou des encouragements pour tous les étudiants qui veulent être peintre numérique?

Je dirais que, une fois que vous avez ce désir d'être un artiste, laissez vous aller à fond guider par lui! Décidez ce que vous voulez pratiquer et essayez d'apprendre quelque chose de nouveau chaque fois que vous faites une étude ou une peinture. Ces éléments d'information que vous apprenez, aussi grands que petits, vont s'ajouter. Il est également bon d'avoir l'habitude de pratiquer de façon routinière, vous constaterez que vous augmentez votre dynamique et que cela deviendra utile dans votre processus.
Être critique de votre travail est bon et il y aura toujours des moments où la frustration sera inévitable, mais essayez de ne pas laisser tomber complètement, concentrez-vous sur la joie que vous procure ce que vous faites. Il n'y a rien de tel que de penser : "c'est bon,je suis aussi bon que je ne le serai jamais". Il peut être difficile de voir le calibre d'autres artistes travailler autour de vous, mais plutôt que de laisser tomber, laissez-les vous inspirer. Nous sommes tous ensemble là dedans en tant qu'artistes, et ils vous montrent qu'il est possible d'atteindre un tel niveau, alors allons travailler!