wandotra
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Messages posté(e)s par wandotra
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@TIGRESCO très joli fanart ! la 2e version avec les papillons renforce la composition, j'aime beaucoup ton brushwork globalement qui est harmonisé et intéressant ! si je peux me permettre quelques conseils, ce serait ceux-ci :
- comme tu l'as remonté, au niveau des drapés il peut y avoir un travail supplémentaire, il pourrait être intéressant notamment de différencier un peu plus la texture des différents matériaux de textile pour varier un peu : ce qui est du drapé souple et léger pourrait avoir des bords plus soft, moins de contraste dans les ombres et des transitions plus douces, et au contraire les textiles plus rigides voire cuirassé pourrait avoir des bords plus durs et des reflets moins flous/plus nets
-je trouve les cheveux et le visage adorable et vraiment bien géré, pas de conseils sur cet aspect
- je pense qu'il y a un soucis de silhouette avec le bras qui tient la main par contre, l'angle actuel me semble un peu trop raide et forme quelques tangentes avec la capuche, cependant ça me semble complexe à corriger donc je pose seulement ça en termes de suggestions pour de futures compos, ça peut être intéressant d'épurer tes silhouettes avec un peu plus d'espace négatif pour renforcer la lisibilité et l'appréciation de de tes formes
Chapeau bas sinon, c'est vraiment un joli boulot ! 😄
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@HIKOKUMIN si tu veux renforcer l'aspect traditionnel, je te conseille de remplir un calque vide avec une texture bruitée en mode de fusion de calque recouvrement ou lumière douce à laisser au-dessus de ce que tu peins, Krita en a pas mal ici :
il suffit de faire une sélection et "remplir avec le motif". En plus de donner du grain et du bruit qui est très pratique pour peindre, ça donne aussi un côté tradi intéressant. Et je peux que recommander de ne pas juste se reposer sur les brushs tradi pour l'effet tradi mais de jouer avec l'opacité de ces brushs pour générer des couleurs par superposition, ça se rapproche le plus du layering que tu obtiens à la peinture où les couleurs ne sont jamais 100% uniformes et ça évite bcp de problèmes de saturation des couleurs qui s'éloigne des couleurs naturelles de la peinture
Les bords durs et bords perdus seront aussi tes grands alliés pour l'effet tradi, donc hésite pas à jouer avec
Voilà, je sais pas si t'apporteras quelque chose en plus par rapport à ce que tu connaissais déjà, bonne chance avec ton projet, le wip est franchement très jolie, chouette design, on peut facilement se projeter dans le lore du perso, beau boulot ! 😄
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C'est un sujet difficile et tu relèves les points d'incertitude que n'importe quel aspirant illustrateur rencontre souvent.
Il n'y a pas de vérité absolue, cependant, il y a des infos qui reviennent souvent en interview : te former un illustration/concept art prendra du temps, même si tu réussis à atteindre un excellent niveau en 1 an, cela ne signifiera pas forcément que tu auras les capacités mentales de gérer le monde professionnel. En effet, le niveau technique est un point, mais la confiance en est un autre encore plus important dans le monde artistique, et la confiance en soi, en ses capacités de rendu pro, se forgent le plus souvent avec le temps et les projets, il faudra peut-être quelques/plusieurs années avant de pouvoir répondre à une demande professionnelle de manière organisée, confiante, en sachant à l'avance le type de rendu que tu pourras atteindre et le temps nécessaire. Or, tu l'as dit toi-même, c'est pas aisé de stopper ses études pendant plusieurs années, tu vas vite rencontrer des soucis administratifs, à la limite une année de césure pourrait t'apporter quelques réponses, en plus d'être peu couteuse ? Travailler ou étudier dans un domaine complètement opposé à l'illustration n'est pas toujours une si mauvaise idée en soi, en plus de t'apporter un palier de sécurité en cas d'échec, ça te forge aussi d'autres compétences, parfois du réseau inattendu et ça te laisse tout de même du temps pour progresser. C'est faisable de combiner dessin/étude ou dessin/travail. Il n'y pas besoin de couper les ponts avec le monde extérieur contrairement à ce qu'avance certains, tu peux garder des loisirs et une vie sociale à côté en plus du dessin, c'est tout à fait possible.
Tu pourrais aussi tenter de travailler à temps partiel si tu penses que le temps va te manquer. Je ne sais pas si c'est compatible avec ta situation financière, mais ça pourrait te permettre d'acheter la formation rapidement (à savoir que tu peux progresser sans la formation également en attendant) et conserver du temps pour apprendre.
Pas mal d'illustrateurs sont d'anciens reconvertis, et cela leur a souvent apporté bien des choses : du réseau, une habitude de travailler (discipline), renforcer leur intérêt et ambition pour l'illustration en opposition au travail qu'ils enduraient avant, donc pourquoi pas aussi choisir un domaine d'étude autre dans lequel tu aurais peut-être des facilités en attendant de progresser en dessin en parallèle.
L'avantage principal de cette méthode est d'éviter un burn out, au lieu de stresser sur le fait que tu as une deadline pour apprendre, ou alors de devoir répondre à des hautes attentes rapidement, cela te permet d'étaler ton apprentissage dans le temps, de découvrir aussi d'autres aspects du travail et d'autres domaines d'étude (on est parfois surpris à apprécier des études différentes de nos passions primaires).
D'autres te recommanderont peut-être de te lancer à fond dans l'illustration et de t'y consacrer complètement, et ils auront peut-être tout autant raison, c'est aussi une question de ressenti, de se connaître, de savoir les risques qu'on est prêt à prendre et ceux qu'on veut éviter ou qu'on souhaite affronter différemment.
Par ailleurs, joli travail déjà ! Y a des bonnes bases que tu pourras affiner rapidement sur dps
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Il faudra simplement déclarer ses ventes à l'UE, mais aucune TVA ne doit être demandée au vendeur
Concernant la déclaration européenne de services intracommunautaires, elle est obligatoire dans toutes les entreprises qui fournissent des services dans d'autres États membres
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"Le redevable de la TVA est le preneur de la prestation (le client)."
L'article 259 du code général des impôts pose un principe général : quel que soit le type de prestation rendue, la TVA est due dans le pays d'établissement de l'acheteur. L'acheteur ou preneur va autoliquider la TVA française.
Dès lors que le preneur n'est pas un assujetti à la TVA (en France ou au sein de l'Union européenne), la prestation est taxable au lieu d'établissement du prestataire. Ici, si le prestataire de services est français, l'opération est taxable en France.
Enfin, si la prestation est taxable en France, le taux de TVA sera le taux français, tel qu'il est prévu pour ce type de prestations.
Ce qui change c'est que si tu réalises une vente auprès d'une entreprise, l'entreprise auto-liquide la TVA auprès de son pays au taux de son pays, si l'acheteur est un particulier sans n° de TVA intraco, il autoliquide la TVA au taux du pays de provenance, qui serait ici la France
Le prestataire établi en France, qui vend à un assujetti d'un autre État membre, déclare ces opérations sur la ligne 05 « autres opérations non imposables » de la déclaration mensuelle dite CA3.
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Une (vente) livraison intracommunautaire ou exportation est hors taxe même pour les entreprises qui ne sont pas en franchise de TVA dans la théorie, ce sont uniquement les entreprises clientes (qui achètent) lors de l'importation ou acquisition intracommunautaire qui sont censés payer la TVA au pays d'importation ou en autoliquidation pour l'UE, du moins c'est ce qui nous est enseigné dans les règles de territorialité dans les programmes de comptabilité
Je ne sais pas si c'est une mesure de simplification qui expliquerait entre autre tous les avis contradictoires sur le sujet, je ne peux pas m'avancer sur la justesse de mes informations puisqu'on nous a pas fourni la sources de ces règles, c'est juste écrit dans nos manuels de compta de 2022
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@XuanOui en effet tu peux faire ta déclaration soit par pro-douanes soit par cerfa papier, c'est un choix 😉
J'avoue que ta situation est délicate, j'étudie la compta justement, mais je n'ai jamais vu de situation similaire pour le moment, c'est étrangeThéoriquement si l'entreprise a fourni un n° intracomm j'aurais tendance à dire qu'il faut l'utiliser, elle se l'ai fait attribué normalement pour un motif justifié, mais je recommande l'avis d'un expert comptable oui, si tu ne peux pas obtenir plus d'infos auprès de l'entreprise directement
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@Xuan Théoriquement si la facture mentionne un n° de TVA intracommunautaire cela signifie que tu réalises bien une prestation de service à une entreprise européenne, du moins le paiement proviendrait d'Europe, peut-être siège social de l'entreprise ? Il serait donc nécessaire de réaliser une déclaration au vu des articles que tu as vus. Si tu es du régime micro-entrepreneur, tu es en franchise de TVA, tu as la possibilité de remplir un cerfa papier ou de faire une déclaration en ligne, mais il semble en effet que tu aies besoin de ton numéro intracomm pour cela.
Le lien vers le cerfa est dispo sur cette page si jamais
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@Noïra Bonjour ^^
En théorie pour faire un dépôt de marque, tu dois remplir plusieurs conditions : que cela participe à ton identité commerciale en proposant quelque chose d'original et non commun pour ton secteur d'activité (par exemple si ton dépôt de marque est : "illustrations" cela ne marcherait pas car c'est trop commun dans ton secteur). Malheureusement le nom et le prénom ne peuvent en théorie pas constituer un nom de marque puisque tu n'es pas à l'abri que quelqu'un d'autre possède le même nom, et il est impossible de rendre ce nom "privé" en quelque sorte, tu ne peux pas interdire un concurrent d'utiliser son nom de famille. Cependant, si cela peut faire l'objet de confusion auprès des clients et dans le cas où ton nom commercial aurait été déposé avant celui de ton concurrent, par exemple Noïra Illustrations, il serait théoriquement justifié de faire appel à l'Autorité de la concurrence pour demander à ton concurrent de changer le nom de son entreprise.
Les grandes entreprises peuvent se le permettre du moins, mais de petits artistes, je ne sais pas si cela serait possible.
Le plus idéal serait un nom commercial distinctif qui permettrait de te différencier aisément d'un concurrent qui porterait le même nom, ou bien d'accepter la possibilité que quelqu'un possède ton nom, une signature artistique peut aussi jouer le rôle de distinction avec tes concurrents.
Je te pose ici mes sources, elles sont issues de cours de droit "vulgarisés", donc à prendre avec précautions :
Le Code de la propriété intellectuelle (article L 711-1) définit la marque comme un signe apposé sur un produit ou utilisé avec un produit ou un service afin de distinguer le produit des produits concurrents. Le signe constitutif d’une marque peut être une dénomination, un signe sonore ou un signe figuratif. Pour être protégeable, la marque doit être distinctive et donc non descriptive (elle ne doit pas décrire le bien ou le service). Il est impératif que la marque soit disponible, c’est-à-dire qu’aucun dépôt antérieur n’ait été fait (recherche d’antériorité). Lors du dépôt, le déposant doit indiquer avec précision les produits ou services pour lesquels il souhaite utiliser la marque. L’identification de ces produits ou services se fait par l’intermédiaire d’une classification internationale, dite « Classification de Nice ». La protection de la marque n’interviendra que pour les classes mentionnées lors de son dépôt. Une fois la marque déposée auprès de l’INPI, son propriétaire dispose d’un monopole d’exploitation sur le territoire français pour 10 ans, renouvelable indéfiniment.
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@Hibiscuit honnêtement je trouve que ton perso a du charme et du potentiel, le block in des couleurs de ton illu est aussi très propre, les silhouettes des formes ressortent bien et l'ombre portée est très chouette, même si c'est dommage car on ne retrouve pas d'ombres fortes dans le shading du perso également ^^ mais ça c'est un autre sujet
Sur l'anatomie, je souhaiterais relever 3 points essentiels :
-le travail de la silhouette du personnage, qui ici n'est pas mal du tout honnêtement mais aurait pu mériter un travail plus approfondi de redéfinition des tissus, et surtout de balance et dynamisme dans la pose. Ce que je veux dire par là, c'est que ton perso suit une ligne très droite, presque perpendiculaire à la feuille, ce qui peut lui donner un aspect rigide, s'il était dessiné en suivant une ligne d'action, telle qu'une courbe, même légère, cela pourrait donner plus de présence au perso dans le dessin, une pose plus naturelle, qui pourrait au passage renforcer l'attitude du perso : est-il plutôt fier, plutôt relâché, etc...
-redéfinition de l'anatomie simplifiée, je trouve qu'on voit déjà plusieurs bonnes bases sur ton dessin, c'est super chouette, mais il manque un point essentiel de logique dans la rotation de tes membres, je t'incite vraiment à poser des cylindres en perspective pour t'aider à comprendre comment le corps s'articule, actuellement ton perso paraît très aplati dû à quelques petites erreurs de visualisation en volume et d'incohérence sur le squelette. Les lignes de construction sont de bonnes amies pour aider sur ce point 😉
-je finis par une petite note sur les vêtements, dont je trouve le design intéressant d'ailleurs, qui doivent aider à comprendre le volume et les plis du corps, je recommande fortement de tracer des flèches avant de dessiner les vêtements qui indiqueraient le flow de comment tombent, se froissent, s'étirent les tissus selon la forme du corps et les points de tension, tout cela passe évidemment par pas mal d'observation, et le process peut être long le temps de comprendre la logique derrière, je te souhaite donc bon courage, je me permets de poser un petit croquis/paintover qui détaille mes conseils, à prendre évidemment avec des pincettes vu que je ne prétends pas maîtriser le sujet moi-même ^^
Je pose mon petit exo de mon côté, recherche d'un charadesign et quelques croquis d'après référence
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Les explications au-dessus sont super pertinentes, je rajoute quelques infos complémentaires, même si le sujet date déjà d'il y a 2 ans, que j'ai trouvées en écoutant des interviews diverses et variées, à savoir que certains artistes recommandent :
- de créer un folio spécial pour chaque entreprise/studio où tu postules (ça peut être un PDF, tu as pas besoin de créer des sites différents), notamment dans le cas de l'illustration plus que le cas du concept art : certains recruteurs vont chercher un style graphique en accord avec la direction artistique du studio, même si certains studios gardent une variété assez large de styles et ne pose pas une DA stricte, d'autres studios à l'inverse ne chercheront qu'un style précis et même de très bons travaux ne prouveront pas efficacement que tu sais t'adapter à ce style. Il est donc important de bien cibler ce que recherche le studio où tu postules et d'adapter ton folio en accord, surtout si c'est dans ta top list des studios que tu veux intégrer.
Cela ne s'arrête pas au sujet abordé (medieval fantasy, etc...) mais de potentiellement créer 1 ou 2 illustrations spécialement pour répondre au style d'un studio, ou s'en rapprocher, si tu es capable de montrer dans ton folio que tu as analysé le style de l'entreprise, son brushwork, travail des valeurs, level de finition, cela garantira beaucoup plus facilement un intérêt de la part du recruteur.Avoir des books différents peut donc être un très gros plus. Artsation permet entre autre maintenant de créer des books différents, il ne faut juste pas oublier de link directement le book en question et pas la page d'accueil. Sinon les pdf et autre fonctionne également 😄
Ca reste bien sûr un avis parmi tant d'autres ^^
Bon courage en attendant pour tes projet !
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Bonjour ^^
J'ouvre ce topic par rapport à tout ce qui touche à l'enseignement/formation. Si vous souhaitez y partager des ressources sur le sujet n'hésitez pas 😄
J'ai trouvé le sujet bien abordé dans la formation, mais je souhaiterais glisser un petit mot pour recommander justement une vidéo plus poussée sur le sujet de l'enseignement : apprendre à apprendre aux autres, je pense qu'étant donné l'expérience accumulée dans le domaine grâce à DPS, il y aurait moyen de théoriser quelques points essentiels et conseils : pour créer ses tutos ou simplement préparer des cours pour des interventions en écoles/club d'art et ateliers en tout type. Ce serait extrêmement intéressant !
Cela permettrait d'étoffer cette partie 3 du programme sur le monde pro et d'intéresser un public plus grand pour cette partie 3.
En tant qu'intervenante bénévole, l'accès à des conseils sur le sujet seraient très précieux pour mieux animer mes ateliers, et peut-être pouvoir me lancer dans des aventures rémunérées par la suite.Mis à part cette petite recommandation, je suis preneuse du coup de ressources vidéos si vous avez par hasard du contenu à partager sur le sujet, n'hésitez pas à le poster en-dessous.
Au plaisir de progresser et d'animer de meilleurs ateliers !
(j'espère que le topic a sa place dans ce chapitre 🤭)
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@WORZ
j'aime beaucoup la compo, elle est intéressante
pour ce que j'ai à commenter, ce serait d'abord la "plume" du casque qui mériterait selon moi un peu de transparence en dégradé au bout pour faire une belle transition avec le visage en haut à droite qui est lui-même un peu transparent, ou alors une transition de couleur vers le bleu sur le bout
le 2e petit truc c'est le regard du cavalier qui nous amène hors champ, ce qui crée 3 points de focus, un premier sur son regard et celui du cheval, un 2e sur le visage en haut à droite grâce à la plume du casque qui nous y amène et surcadré par l'épée, les flèches et le bord de la feuille, et un 3e focus non présent sur la feuille, on a envie de regarder tout en bas, plus bas que le bord de la feuille avec ce regard hors champ, ça peut être un effet intéressant, mais on aimerait bien voir le dessous de son bras quand même, car actuellement il crée un nœud graphique avec le bord de la feuille qui casse un peu cette effet de 3e focus hors champ en emmenant notre regard sur ce noeud. Les textures sont cools, j'aime bien le contraste entre le cheval et l'arrière plan, tu vas sûrement redétailler le soldat donc j'en dis pas plus, mais pour le moment on est un peu dans le doute sur la matière dans laquelle il est fait, si c'est un joue ou non, peut-être la forme de la plume qui est un poil trop arrondie pour donner l'aspect solide d'une sculpture 3D d'un jouet. Bonne chance avec ton illu en tout cas, je la trouve originale ^^
in de suggestions, car je ne sais même plus sur quoi travailler pour l'améliorer ahah, et de critiques pour savoir si des choses ne fonctionnent vraiment pas, ça fait 3 semaines que je bloque dessus j'arrive plus trop à le regarder avec un regard nouveau x)
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@psykowatt bravo pour ta décomposition, on retrouve bien les différents plans et les différentes formes, tu arrives à suggérer le relief, n'hésite pas cependant (je pense aux cascades) à partir de formes géométriques que tu dessines exprès plus petites que sur la ref et que tu viens affiner par la suite pour vraiment modeler la forme exactement comme tu le veux, d'où l'intérêt d'utiliser notamment des polygones, plutôt que des courbes et arrondis, pour garder le tout simple mais précis, les détails que tu rajouteras par la suite viendront compléter d'eux-mêmes tes éventuelles formes arrondies et les ombres et lumières, puis textures viendront se rajouter plus facilement sur ta base)
Bonne chance pour la suite ! Beau boulot et bravo pour tes efforts !
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Après quelques projets persos, je reviens avec la suite de l'exo 3 que voici :
Beaucoup de galère du côté des feuilles, par contre je me sens plus à l'aise avec le blending grâce à cet exo !
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Wow, je suis épatée par les participations au challenge ! De quoi en avoir la tête qui tourne !
Je viens poster humblement ma petite demeure de rêve à côté
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@SCHMAX Merci pour ton avis constructif plein de bons conseils, je garde dans un coin de ma tête de faire attention à l'opacité de mes textures pour la suite et d'être plus critique sur les couleurs et la luminosité
Le blending sur les montagnes aurait pu être une bonne idée aussi en effet, je n'y ai pas pensé
Je reviendrai sur ces 2 images après avoir fait la rose pour peaufiner avec tes conseils
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La suite ! J'ai essayé sans le line encore une fois, car c'est ce sur quoi je galère le plus
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Je continue dans la lancée avec l'exo 2,5, une super occasion de bosser la texture neige, de trouver les couleurs à l'oeil nu et de décomposer la photo, j'ai tenté sans le line et en prenant quelques libertés :
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@nessat L'idée est originale ^^ en effet comme tu l'as dit, il y a quelques contradictions dans la perspective, mais ça ça peut se corriger sans soucis, par contre on a du mal à comprendre que l'iceberg est en apesanteur car sa silhouette se confond avec le fond (il y a presque des tangentes avec les icebergs en fond) ce qui rend la lisibilité plus difficile, est-ce que tu as déjà essayé de travailler avec tes formes en noir et blanc sans line, ça peut être une technique intéressante pour travailler les silhouettes et la composition dans son ensemble ^^ L'ombre de l'iceberg est aussi particulièrement marquée ce qui donne la sensation que l'iceberg tombe (en soi c'est peut-être parce que les autres éléments n'ont pas d'ombre), mais il manque peut-être un ou des éléments gravitant autour de l'iceberg flottant pour indiquer l'apesanteur ?
En tout cas, tu as su poser ton idée, 1h c'est court, alors bravo ! 😄
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Bonsoir ^^
Après pas mal de difficultés pour trouver un équivalent brush sur Krita pour l'exo 2, je me lance enfin (je vais aller chercher comment enregistrer le pack de brushs photoshop sur Krita au plus vite)
Voilà donc mon petit exo, c'est pas une technique dont j'ai l'habitude alors j'ai bien ramé pour m'en sortir, mais ça y est il est fait !
C'est parti pour la suite
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Bonjour ^^ J'inaugure l'exo avec mon petit speed : 58 minutes en apesanteur
Super exercice 😄
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Merci beaucoup 😄 bien que bossant sur krita, le début de cours que j'ai suivi était déjà très complet et utile, donc j'ai hâte de découvrir la suite et d'atteindre le chapitre 10 ^^
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Bonjour @T-Ace Juice ^^
Je comprends d'où vient ton problème et je pense que chacun d'entre nous à un moment ou à un autre est passé par cette phase où il est difficile d'accepter la critique, souvent le problème est dû à notre mentalité, notre perception de notre apprentissage, nous investissons des efforts et du temps et nous faisons de notre mieux pour gérer nos traits, nos couleurs, et la quantité d'informations impressionnantes à connaître pour progresser du coup nous perdons de la motivation et l'envie de changer des aspects de nos dessins car on a l'impression de forcer sur un dessin que peut-être on apprécie à ce moment précis car notre seuil de tolérance artistique ne s'est pas encore développé autant, et cela vient avec le temps, plus on progresse plus on se rend compte qu'on ne cherche pas un résultat juste correct, mais le meilleur résultat possible. La meilleure solution reste de changer de point de vue, l'erreur c'est la meilleure façon de se rendre compte de nos points faibles, de les voir apparaître facilement et donc de pouvoir les travailler, il faut voir la critique comme un challenge "es-tu assez courageux pour essayer ?", il ne faut rien lâcher. Bien sûr une critique reste difficile à accepter par moment, c'est parfois après plusieurs jours de recul sur un dessin qu'on se rendra compte que les critiques reçues sont vraiment pertinentes, il faut faire preuve de force mentale et oser accepter le combat de résoudre les problèmes soulevés dans les critiques 😉 ou au moins de prendre en compte ces problèmes pour de futurs dessins ^^
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Adapter son style à la demande ? Ou l'inverse ?
dans Freelance/pro - Ch 1 : Avant de se lancer
Posté(e)
Tu peux toujours tenter d'autres styles, expérimenter avec des contraintes de direction artistique ça peut t'apporter des compétences en plus, il y a pas forcément besoin d'aller aussi loin dans les écarts de style (réaliste à cartoon comme tu mentionnais par exemple), mais chercher quelques variantes dans ton travail de texturing par exemple, c'est toujours un plus, ça te permet de mieux connaître ta vitesse d'exécution et peut-être de pouvoir adapter tes rendus à des budgets et délais plus contraignants. Mais effectivement j'aurais tendance aussi à rejoindre l'idée que dans ce que tu montres dans ton portfolio, il faut que tu sois ok avec le fait qu'un client puisse te demander de rebosser avec le même genre de rendu qu'une des images que tu as postées, donc autant travailler au moins sur 75% de choses qui te plaisent vraiment et peut-être 25% qui s'éloignent plus ou moins fortement pour élargir ta zone de confort (mais parmi ces 25%, il y aura sûrement des choses qu'il vaudra mieux pas poster dans ton folio).