Classement

Hello, j'étais inspirée cette semaine alors voici ma deuxième participation. @sheity, on a eu la même idée 😅 Je trouve très joli et très fin. Qu'as tu utilisé comme technique ? @Xavier, Très sympa, bonne idée. Je dirais qu'il y a un problème de perspective sur la cuillère, ou alors elle est très profonde. Sinon très bien ! @Guertty, J'aime bien l'idée et ta réalisation. Le seul bémol pour moi ce sont les coups de brushs un peu brouillons à certains endroits. Mais en 1 h je comprends totalement, c'est très court. @Eustace, ça fonctionne bien pour le thème. Ça aurait mérité de travailler un petit plus les cheveux je pense. Et le highlight sur l'oreille est trop fort par rapport à l'intensité de la lumière qui vient frapper le visage. Voici le mien : Et je remets ma carotte dans ce post pour que ce soit plus facile pour Oliviou de faire le recap à la fin de la semaine.

Voilà la version "finie", J'ai tenu compte des avis et ai retravaillé du mieux que j'ai pu les points qui posaient problème : Le gamma, je sais toujours pas si j'ai bien compris ce que c'est, mais j'ai retravaillé les couleurs (avec l'outil correction sélective), et je trouve que ça mieux en terme d'ambiance globale. Pour ce qui est de la compo, plutôt que de changer l'orientation de mes éléments, j'ai choisi d'en ajouter. J'ai rajouté un perso au premier plan (en essayant d'éviter le classique voyageur avec un bâton). Son cheval à terre apporte du storytelling, mais comme il est un peu mal foutu, j'hésite à le laisser. Voilà, je ne pense pas que je reviendrai dessus, mais n'hésitez pas à donner vos avis.

Bonjour à tous j suis parti à fond sur du clair obscur mais la brillance de l écran éclairci bcp... C plus fin en réel et moins lumineux

Beaucoup de modif en effet ! Je trouve qu'on y gagne pas mal ^^ gg !

Sont goût exquis en a mis ko plus d'un. C'est très court 1h, je ne suis pas satisfait de mon coulis mais tant pis, j'ai passé 30 min supplémentaire pour un petit coup de polish. J'ai essayé le clair obscur aussi, peindre les noirs sur photoshop fait de gros artefacts un peu dégueu, il faut peut être passer en 16 ou 32bit?

Bonsoir à tous, Très original et très varié ces trois thèmes-ci (l'hilarant, le travail du mouvement et le travail de la lumière dans la composition) @Tehael Belle compo. En regardant les corrections que tu as faites, le rajout d'éléments au premier plan accentue bien cet effet de profondeur. Cependant je trouve que le flou que tu as rajouté sur les autres éléments derrière l'astronaute est un peu bizarre. ça doit être moi mais peut-être que le flou cinétique n'est peut-être pas assez accentué je ne sais pas ^^'.... Quoiqu'il en soit, c'est très chouette (je ne sais pas si tu as pensé au film Gravity pour réaliser ce travail ^^) @Mutsumipat On sent que tu t'es bien amusé dessus, ça se voit avec le travail de la carotte et le visage. Style un peu manga le visage (un peu je dis) je trouve ^^. Très cool. @nightfuries Très très drôle ta carotte, un bon arrêt sur image là x) ! Sacré perspective pour l'entrée dans l'atmosphère. Continue comme ça d'expérimenter les brushs c'est bien. Plus tu les connaîtras, plus tu seras rapide et toujours avec le même plaisir 🙂 Pour ma part, voici ma participation. J'ai hésité entre faire de l'hilarant avec la carotte ou rester sérieux en travail un élément important dans le dessin. Finalement je suis resté sur le clair-obscur cette fois-ci avec un loup-garou fantôme. Fini tout juste avant 1h, j'ai passé beaucoup de temps sur l'anatomie et essayer de représenter un minimum de poils, ce qui fait que pour le fond et la lumière, le travail est moins fichue. Néanmoins, je me suis bien amusé à réaliser ce concept en restant motivé à fond .

Bon ! Au départ j'ai regardé, j'ai dit "au non une carotte de combat hors de question!" XD ... Je me suis taté, car j'avais besoin de sortir de ce que je taffais, puis j'ai re regardé, et la "clair obscure" awé, bah pourquoi pas, alors j'ai fait un machin rapide en PLS, sur le sujet que je boss, car besoin de faire autre choses, mais j'aime beaucoup trop sur quoi je taff! Bref! @Chaise_En_Boisok, je voulais pas entendre parler de carotte de combat, mais clairement je suis fan XD ! @Perle de Neige ta carotte marche bien aussi elle est bien dynamique je trouve 😮 ! @mappledash j'avoue que voir la terre avec une tête m'a fait chelou, puis ensuite je me suis dite "la pauvre >.<", en faite tu à dessiné l'arrivé des humains sur terre... pauvre planète ^^° (cherche pas y fait nuit chuis fatigué XD!) @Mutsumipat toi aussi tu nous à fait une carotte vénère! j'aime bien comment tu à travaillé la texture :3 ! @Tehael J'adore! Super taff !lui aussi il prend cher le pauvre ! @Lady Melusine Aya super ton claire obscure ❤️ ! Bon Du coup me voila avec mon machin de 52 minutes (merci Manic Time pour ce superbe timer XD!)

J’avance doucement

Voila avec les modifs je suis content du résultat, c'est mieux à mes yeux.

🙂j’ai 45 ans et j’y crois...

Hello, j'ouvre le bal avec ma carotte de combat en 1 h tout pile. Quand j'ai vu ce thème j'ai pas du tout hésité 😂 C'était drôle à faire, alors que j'ai du mal en principe avec les speeds paintings. J'ai hâte de voir les autres participations !

Soyons francs, on s'est tous demandés plus d'une fois "il veut dire quoi ce foutu terme anglophone ?" dans une vidéo, un tuto ou sur une page web. En digital painting, et même de manière plus large en concept art, 3D ou autre, les termes techniques et les anglicismes sont fréquents et utilisés quotidiennement. Comme je n'ai pas souvenir que cela ait déjà été fait et suite à la suggestion de @Goronzor, je lance ce sujet collaboratif qui a pour but de créer un glossaire qui liste tous ces termes avec une rapide explication/traduction. Ca peut être fun à remplir et ça peut aider plein de monde à l'avenir. Merci à lui pour l'idée et merci d'avance à tous ceux qui fileront un coup de main ! ------ Comment participer ? ------ Réponds simplement à ce sujet en proposant les termes et leur explication, ensuite régulièrement un modérateur de l'équipe ou moi-même l'ajoutera au sujet initial en l'éditant. Ca devrait vite se remplir au fur-et-à-mesure. 😉 ----------- LE GLOSSAIRE -------------- Liens supers utiles : glossaire Ps et glossaire inversé de Ps - Aberration chromatique : Effet graphique subtil de mélange des couches chromatiques d'une image (suite à une superposition inexacte). C'est quelque fois utilisé à la fin d'un digital painting pour apporter du réalisme. - Action : Script, est un ensemble de commandes réunies en une seule, exécutable d’un simple clic dans le panneau Script - Ambient light : Lumière ambiante - Lumière provenant de l'environnement - Ambient occlusion : Ombre d'occlusion, occlusion ambiante : zone d'ombre qui ne reçoit aucune lumière. Se retrouve dans les zones de contact de 2 formes. - Background : L’élément de fond d’une image, souvent le(s) plan(s) le plus distant(s) - Bitmap : Image matricielle composée de pixels. Chaque pixel dispose de son information de couleur. Ensemble, ils forment une image. Plus la résolution est haute, plus la définition et le nombre de détails visible sont importants. - Blend-If : Option de fusion sélective - Blender : Logiciel gratuit et puissant de 3D (modélisation, animation, rendering...) - Blending : Mélange des couleurs. Méthodes diverses en vue d'obtenir des transitions douces, des dégradé de couleurs. - Blend mode : modes de fusion - Blocking : Rough validé de la scène avant la production. - Blocking 3D : Rendu 3D d'une scène et de pose clefs de personnages, souvent à l’état brut, pour préparer le travail de production et valider les choix artistiques (composition, lumieres, posing, ...) - Blur : "Flou" en anglais - Breakdown/Call-out : Schéma(s) plus ou moins poussé(s) qui aide(nt) à la compréhension et à l'explication d'un concept art. - Bright : (couleur) vif, vive // (soleil, cieux ...) = éclatant, lumineux/se // (réflexions métaux, eaux...) = brillant, étincelant. - Brush : il s'agit de l'outil Pinceau, pour être plus spécifique cela désigne la "brosse" (= brush en anglais) choisie pour dessiner et peindre avec l'outil Pinceau. C'est en gros la forme et ses réglages. - Brushwork : la façon dont on fait les traits, le coup de crayon - Burn : Densité + - Callouts : c'est ton concept "détouré" avec explications , legendes etc - Cast shadow : Ombre portée - ombre sur un objet créé par un autre objet ou forme qui bloque la lumière - CG : Computer Graphics, une œuvre graphique, un dessin ou une illustration entièrement créée ou modifiée par le biais d'un ordinateur. - Character design : Conception et création de personnages - Core shadow : Cœur de l'ombre (ou encore Terminator, zone la plus sombre d'une ombre propre) : La zone d'une ombre propre qui reçoit le moins de lumière, située à la limite de la zone éclairée par la lumière directe. Se retrouve sur les formes arrondies (sphère, cylindre, etc.) - Custom brush : Sur le même principe que le précédent, c'est un brush qui a été crée et modifié pour avoir une forme, une répétition ou d'autres réglages spécifiques. Exemple : un custom brush qui imite des feuilles d'arbre. - Cutaways : ce sont des vues avec détails intérieurs , comme par exemple en dessin industriel vues en découpes / écorchés etc - Désaturation : C'est la perte de couleur d'une image : plus elle est désaturée, plus elle virera à des nuances de gris. - Direct light : Lumière directe - Lumière provenant d'une source lumineuse (par exemple : soleil, ampoule) - Dodge : Densité - - Edge/edgework : les bords. Quand un artiste parle de edge, il parle des bords des objets ou des éléments de l'image, certains doivent être durs (dureté 100% au max, les bords sont très visibles) d'autres doux (dureté 0% au max transition douce) - Fill Light : Lumière de remplissage. Elle contre les ombres fortes formées par la Key Light afin de les adoucir. - Flip (per) : renverser l'image, horizontalement si non précisé. - Form shadow : Ombre propre - ombre sur un objet située sur le côté opposé à la lumière - God Light : Rais de lumière (du soleil en général) à la manière de la lumière divine dans les peintures religieuses ( on peux avoir une god light dans un vaisseau spatiale par exemple ) - Halo : Effet lumineux d’éblouissement généré par une lumière (généralement quand on regarde vers elle, ou un puissant reflet). - High Key / Low Key : techniques photographiques jouant sur deux tons d'une image : le clair et le foncé. High Key = domination des valeurs claires (surexposition). Low Key = domination des valeurs foncées (sous-exposition) - High Pass : Correspond à Pass -Haut, est un filtre Photoshop permettant d'accentuer la netteté d'une image - Horizon line : Ligne ou courbe utilisée comme point de repère, afin de placer les points de fuite des objets posés au sol. - Hue : Littéralement (Shade) nuance, couleur, teinte // en mot composé (violet/rose-hue(d) = teinté de violet/rose) teinté de .... - IP : Intellectual Property / Propriété Intellectuelle. Oeuvre sous licence (Disney/Marvel, tout ce qui sous propriété d'une production ou édition). Ce dit aussi d'une oeuvre personnelle développée sur une création propre, et pouvant donc être licensiée. - Key light : Lumière principale. Celle qui éclaire le plus le modèle. - Lasso tool : Outil de sélection numérique pour verrouiller une zone. - Lineweight : = Technique d'encrage demandant de changer le poids de ligne des éléments suivant leurs groupes, dynamiques, lumières et/ou distance pour plus de lisibilité. - Loose / Stay loose : sketchy, imprécis, flou, ne pas rentre dans les détails - Mattepainting : Technique d'incrustation et de masquage sur base photo ou rendu en vue de créer un composite. - Mixer Brush : pinceau mélangeur - Mode d'incrustation : Dans tous les logiciels de digital painting, on peut modifier le comportement d'un calque : soit il s'affiche normalement (en recouvrant ce qui est en-dessous) soit ses couleurs vont se mélanger à celles en-dessous pour donner un résultat différent, comme pour éclaircir, obscurcir, changer les couleurs, etc... C'est ce qu'on appelle changer le mode de fusion du calque. Exemple : du mode "normal" au mode "Incrustation". - Ombres portées : Ombres projetées par un objet sur un autre. - Opacité : c'est la visibilité d'un élément. On parle souvent de l'opacité d'un calque, qui généralement se traduit entre 0 (invisible) et 100 (100% visible) - Overlay : Traduction du mode de fusion "Incrustation" en anglais. On dit souvent "mettre le calque en overlay" ou "peindre en overlay", ce qui signifie "peindre en Incrustation". - Overpainting : Peindre par dessus un photobashing, un blocking 3D, ... voir PO - Pixel : Unité de mesure de la taille d'une image. Par exemple : 2000 x 1500 px (pixels) - Pixellisation : Lorsqu'on peut voir les pixels d'une image : la définition est insuffisante, on voit les carrés des pixels, ça donne un rendu flou. C'est généralement quelque chose qu'on cherche à éviter. Attention à ça en photobashing ! - Photobashing : Technique d'assemblage/collage/incrustation de photographies afin de texture ou de rendu. - Photoréalisme : Désigne la recherche pour une création (image) d'un rendu le plus proche possible d'une photo/du monde réel. - PO = Paint Over : Peindre par dessus - Posing : Acting des personnages par leurs dynamique corporelle. - PSD : photoshop document= format de document photoshop - Radiosité : Effet de rebond de la lumière d'une surface à une autre (cf cours du Programme indispensable Partie 1 Chapitre 5) - Rendering : 1. génération de l'image (finale ou non), calcul du rendu (3D) ; 2. les finitions, les détails. C'est ce qui prend le plus de temps en général. - Rim Light : Lumière sur les bords d'un objet pour faire comprendre qu'il y a de la lumière derrière ce dernier. Permet de mieux définir les volumes des objets. - Rough/sketch : Crayonné  - Saturation : Intensité d'une couleur : plus elle est sarturée, plus sa couleur est vive. Moins elle l'est, plus elle ira vers le gris. - Scale/scaling : L'échelle est la comparaison de taille entre deux éléments. Un personnage à la bonne échelle est de bonne taille dans son environnement. Une mauvaise échelle signifie que l’élément est trop petit / gros par rapport au reste. - Scrumbling : gribouillage - Shading : ombres, hachures - Shadow (of colour) : ton, nuance - Shadowy : flou, indistinct, vague - Shape : Forme - Smudge : l'outil doigt - Snapper : adhérence/adhésion/magnétisme (avec une grille ou des guides par exemple) - Soft brush : Brush soft = Brosse avec une dureté à 0%, ce qui donne un rendu aérographe et des bords flous, aussi appelés "softs". - Specular : Spéculaire = la partie la plus lumineuse, quasi blanche des high lights. Plus la matière est réfléchissante plus il y a de chance qu'il y ait des spéculaires, mais sur les matières non réfléchissante il n'y en a normalement pas. - Storytelling : Raconter une histoire - Subsurface scattering : Trans-luminescence. Phénomène lumineux : certains rayons lumineux arrivent à traverser la matière, on voit donc un peu de la couleur interne de l'objet éclairé, dans une lumière claire et saturée, souvent (toujours ?) juxtaposée terminator. - Tangente : Erreur de lignes de composition venant à se toucher ou presque, et qui finissent par troubler la perception du spectateur - Terminator : Partie de l'ombre la plus sombre : là on ne reçoit ni lumière directe et l'endroit recevant le moins de lumière réfléchie. - Thumbnails : "vignettes" réalisées rapidement, ma plupart du temps en valeurs de gris, créées à l'étape préparatoire d'un digital painting / concept art dans le but de tester plusieurs compositions, afin d'en choisir une et la développer. - Turnaround : Dessiner un sujet (personnage, créature, bâtiments, etc...) sous différentes angles (face, dos, 3/4, etc...) afin d'aider l'artiste 3D à modéliser le sujet en lui donnant un max d'infos. - Update : maj, mise à jour - Values : Terme récurrent en digital painting, il désigne les variations de niveau de gris d'une image, basiquement ce qu'on voit en valeurs de gris, c'est la luminosité, sans tenir compte des couleurs. - Vanishing point : Repère spatial vers lequel les axes vont converger afin de simuler la distance - Vector : Une image vectorielle est composée de vecteurs, point géométrique. Chaque vecteur dispose de coordonnées spatiales et d'un ensemble de données qui lui est propre (courbe de Bézier, taille de la droite, couleur, etc). Ensemble, les vecteurs forment une image vectorielle. - Watercolor : Aquarelle - WIP : work in progress, un travail en cours de réalisation. - Wraps : déformations/transformations - Zbrush : Logiciel de modélisation 3D très apprécié des concept artists utilisant une technologie propre appelée pixels 3D : Pixols. -------- Merci à tous pour votre participation ! Et à @Yun77 qui a largement mis à jour ce glossaire (Et qui continue !!😅). Dernière maj : 7/4/23

Bon je me suis donné comme objectif de terminer le putain de Moleskin que je me suis acheté, et finalement ca fait 2 ans que je me trimballe le même. Il ne se remplit pas à la vitesse que je souhaiterais :D Néanmoins ca pose aussi une autre question. Le principe du carnet de voyage c'est avant tout de faire des experiences, de tests de design inachevés. Et le gros problème que j'ai c'est que je me dois de faire un truc achevé la plupart du temps. Du coup je fais des compositions quasi-completes, à chaque fois, voire même plusieurs par pages, et du coup je passe entre 1h et 2H sur chacun d'entre mes croquis au lieu de faire un jet de 15/30 minutes, même si le résultat est dégueu. De l'autre côté du spectre, j'ai aussi l'autre problème qui est que je ne peux pas passer plus de 3 ou 4 heures sur une planche (parceque ca me gonfle, et que si j'ai pas l'impression d'avoir fait un truc convenable en 2 ou 3h, je peux m'arrêter et partir sur un autre truc). Donc j'arrives à un point ou j'ai du mal à construire vite MAIS en même temps j'ai du mal à apprendre de mes erreurs parce que j'ai pas la patience de reconstruire par dessus. Qu'en pensez-vous?

Bonjour à tous, Je vais reprendre les questions de Spartan pour me présenter ^^ Qui es-tu et d'où viens-tu ? Je m'appelle Nayna et je suis de région parisienne. Quel âge tu as et quelles sont tes études/ta profession ? J'ai un peu (beauuuuuucoup) plus de 18 ans, un jour j'arriverai à le dire... et je bosse comme chargée de communication pour une congrégation religieuse (hé oui... et non, je ne suis pas bonne soeur ) Comment tu as découvert DigitalPainting.school ? J'ai découvert DigitalPainting School alors que je cherchais de l'inspiration pour un projet d'illustration d'un recueil de textes pour le boulot. Je devais faire quelques dessins pour illustrer la situation de l'Eglise en Asie pendant la période Covid. Je séchais un peu beaucoup car je n'avais pas dessiné depuis mon adolescence (bon ok je vais dire mon âge, j'ai eu 40 pendant le confinement) et le sujet de l'Eglise n'est pas ce qu'il y a de plus funky. J'ai trouvé les vidéos de Spartan assez claires et intéressantes et ça m'a donné envie de me mettre à dessiner et , surtout, de manière plus "propre". Quelles sont tes attentes et tes ambitions ? Mes attentes seraient, grâce à la communauté, de trouver de l'inspiration. Gagner en méthodologies et techniques. Pour le boulot, je fais plutôt de la mise en page (InDesign) et du dessin vectoriel simple (Illustrator). Mes ambitions seraient de revenir au dessin, d'améliorer plus la maîtrise du logiciel. Je m'ennuyais un peu dans ce que je faisais et le fait d'avoir ce projet d’illustrations m'a reboosté. Pourquoi tu t'es inscrite ? Pour suivre les premiers cours (du moins les premières parties). J'envisagerai la suite lorsque j'aurai un peu plus de temps. Avec le confinement, j'ai pu commencer à suivre les cours mais la reprise arrivant à grands pas , je ne sais pas encore comment je vais m'organiser. Quels sont éventuellement tes projets artistiques, etc Devenir concept artiste ? Non, je ne sais trop... Une reconversion serait top mais, à mon âge, ça fait peur ! Bonne journée !

Un redraw, ça n’empêche pas de trouver des refs! le dessin originel les refs

Merci Spartan ! Bon, ben, j'ai plus aucune excuse pour ne pas continuer à fond demain !!! 😅😋

c'est une très belle branche que tu as fait , effectivement je n'ais rien a dire dessus ! tu peux continuer comme cela , par contre ton exercice 3 ne doit pas faire partie de se chapitre ( a moins que je me trompe bien sur , je suis assez nouveau ici lol ) , il faut que tu le postes dans un nouvelle onglet qui correspond a sont chapitre .

@rx98 t’aurais plus vu un truc comme ça non?

Merci @Spiris oui j'avais essayé de donner un coté mysterieux^^ J'ai arrangé, du coup c'est mieux entre temps j'ai essayé une jungle

Ca fais vraiment longtemps, mes souvenirs sont très vagues. C'était des bougies avec la cires coulantes. Je ne pourrais pas donner d'avantages de détails malheureusement je ne me souviens plus. Les flammes dansantes n'avais pas de vêtements, puisqu'elles étaient des flammes, je me rappel vaguement qu'elles prenait des position style danseuses ballerines. Un peu dans ce style là, mais bien mieux réalisé, et avec plusieurs bougies et flammes. Enfait on pouvais confondre les formes, elle représentait bien de véritables flammes mais formait tout de même des formes humanoïdes prenant des positions de danse.

Ouaip, c'est mieux. ^^

Hello ! Je rejoins l'avis précédent sur Hubble, j'ajouterais que tes 2 petits cercles sur la face avant ne sont pas tout à fait symétrie, ils doivent suivre l'axe de la barre du "Y". Oki pas mal ce crâne, les lines sont fluides, tu as su varier l'épaisseur c'est vraiment bien ! Niveau proportions la machoire me parait un peu plus petite, ca ne choque pas mais ca fait un peu plus féminin 😉 Keep it up !

Je rejoins les avis précédent, très bien maitrisé niveau des proportions et de l'épaisseur des lines, rien à redire... Bravo 😉

hello, en tout cas merci pour les infos, je vais essayer aussi de mon coté car j'ai eu des difficultés sur cette forme, j'ai eu l'impression de bidouiller 😛

Salut @GC., je m'en doutais un peu car il y avait très peu de retour sur cette école et heureusement pour moi je n'ai pas sauté le pas. En tout cas merci pour ton retour et ceux des autres également.

merci @Gimbal pour ta précision , certainement une fausse manip oui . effectivement le Ctrl + Z j'en abuse énormement mais ca va venir avec la pratique je l'espère . concernant le hubble je pensais que c'etait l'effet recherché pour le carré j'ai pas bien fait attention . Sinon je me suis essayé à l'exercice du crane , et bien qu'est ce que c'etait difficile , on ne s'improvise pas dessinateur du jour au lendemain , mais la technique des plusieurs croquis ca aide vachement je suis arriver a un truc qui ressemble a un crane lol mais peu mieux faire . par contre j'ai du faire 4 croquis pour y arriver le 3eme je n'etais pas du tout satisfait . je vous laisse juger

Merci @Gimbal! 😄 La suite, ce sera pour dans 2-3 jours, j'ai choisi un objet hyper dur avec des courbes PARTOUT ! 😱 Du coup j'ai fait le croquis et tout, mais pour la line finale ça me prend des plombes. Heureusement je pense que le résultat en vaudra le coup. ^^

Salut à tous! Voilà d'ordinaire je n'ose pas trop partagé mes créations mais j'ai envie de progressé et du je compte sur votre soutien pour me guider et me conseiller sur les choses qui ne vont pas. Alors je commence avec cette illustration sur laquelle je suis dessus en ce moment, si jamais vous avez des conseils ou des choses à redire notamment au niveau de la lumière (j'ai encore du mal à avoir une vue d'ensemble sur comment se comporte la lumière sur un dessin). J'hésite aussi beaucoup à trouver le moment où je peux commencé à bien m'attaquer aux détails, généralement je le fais quand toutes mes valeurs sont posé 🤔 ps: j'ai pas encore terminé de faire le rocher en premier plan

Il ne faut pas hésiter à pousser tes contrastes (à être plus extrème dans ton approche), en faisant un croquis avec 3 ou 4 valeurs tu te rendras mieux compte si ça marche ou non. La il y a également un problème de compo, personnage trop à gauche, rocher trop présent avec la même valeur, posing du monstre bord cadre. La découpe des personnages (leur ombre chinoise) passe l'une par dessus l'autre de façon trop prononcée. Il faut les séparer plus. Un exemple en image

Très bien ton croquis. 👍 J'aurai peut-être directement fait le contour des iris avec l'outil ellipse/cercle pour donner plus d'impact sur le regard...🤔

Très sympa ce redraw tu as bien level up ^^ Ha^te de voir le final !

merci de ton retour, je ne me permettrai pas d'emettre un avis sur ton loup garou, dû à ma pauvre experience. Mais bien réussi !

@AnthemNrv Bah meme si tu l'as fait rapidement, ça marche bien je trouve 😉 @Neuf150 Il y a des bonnes idées, mais attention à ta perspective et à tes proportions. Et comme anthemnrv le dit, ta rue n'en fini pas 😅 @lin_mrn en effet, très sympa les couleurs. Ton perso mériterait un peu plus de contraste et d'ombres pour marquer les volumes. Si tu as l'occasion prend un peu de temps pour ça et ton image sera top ! De mon coté petite étude de paysage d'1h15...

Hello, Je trouve ton croquis "traits" propres (haha !) En plus on a bien toutes les parties reconnaissable avec les différentes épaisseurs de traits ! Stylé 😉 Hâte de voir la suite tiens 😛

Hello ici ! Ça fait 2 semaines que je reprend cette image que j'ai fait debut Mai : donc voila mes galéres dans l'ordre : Et la version de ce soir : Voila voila, la suite, bah quand j'y pense XD .. J'ai mis le temps car y'a des trucs que j'ai bossé en 3D sur blender pour bien me mettre dedans, je suis long/lent, et j'ai pas l'habitude d’être organisé encore, pas l'habitude d'utiliser un processe avec de la 3D, et j'arrive pas à rester concentré, genre vraiment, du coup mon "manic-time" me fait aussi très peurs sur ces 2 semaines XD !

Une ancienne illu qu'il va me faire plaisir de recommencer. Je n'ai pas réalisé beaucoup d' environnement et j'ai eut des difficultés à pas mal d’étapes.^^ Rapidité d'exécution (ouille!), perspective, ambiance, valeurs et choix de couleurs, j’espère pouvoir refaire cette illu plus rapidement et sereinement à l'issu du programme. C'est partie!

Hello ! Pour moi , c'est pas grave du tout si c'est un peu plus grand y a bien des personnes qui n'en ont pas 😄 Le principal je dirai ('je me trompe peut-être) c'est que ça reste bon globalement en proportions par rapport au reste et pour moi là ça va, les ombres ca peut aider dans le croquis pour ajouter les notions de profondeur avec des epaisseurs de traits plus fin je pense. (je laisse les experts confirmer ou non haha) Pour le vaisseau il est pas facile, je dirais de bien mettre les contours important d'un trait épais et dégrossir les petits détails, je pense pas que tu sois obligé de tout détailler, le principal serait de visualiser les grosses parties du vaisseau et en tout honnêteté je trouve que tu t'en sors pas mal du tout ! Je sais pas si je t'aide énormement, perso j'essaie de voir ça comme un légo je fais des grosses parties sous forme de volume (genre cube cylindre) vraiment en trait très grossier peut importe la taille du pinceau et apres sur un nouveau calque je taille/ ajoute d'autres petites briques pas à pas par dessus (c'est ptètre totalement débile 🙂 ) et je fais plusieurs calques pour garder les "états" du croquis qui me conviennent et eviter de detruire ce qu'il ne faut pas à cause d'une brique ratée En espérant que ça t'aide à avancer en attendant le Patron du Chapitre ou d'autres élèves plus expérimentés 😄 !

@Perle de Neige J'ai fais un croquis sans refs, et j'ai zieuté ensuite quelques photos de cosmonaute et de la station spatiale internationale pour avoir quelques infos sur le genre de débris à faire. J'ai aussi regardé comment ça se passait en terme de couleur pour une atmosphère vue de l'espace ! @mappledash J'ai pas utilisé le lasso, non. J'ai utilisé un brush dur avec le blanc pour faire les débris, et ensuite j'ai verrouillé l'alpha du calque pour venir rajouter les parties ombrés. On peut dire qu'il n'y a que deux valeurs de bases, même si à certains endroits j'ai vite fait joué avec l'opacité. Et puis les effets de chaleur c'est un autre calque avec un brush soft rouge bien saturé ! Les petits débris c'est une brush spéciale dans le pack Spartan qui s'appelle... débris ! haha J'ai suivi vos conseils et j'ai ajouté des éléments au premier plan et un flou cinétique. Pas évident au final, car le flou donne aussi l'impression que les éléments sont plus loin. J'ai donc appliqué une méthode de flou un peu différente sur le perso pour qu'on le situe toujours devant le reste des débris. Pour ceux que ça intéresse je mets un lien pour le timelapse... pour une fois j'me suis pas trop pris la tête et j'ai fais au feeling, on dirait que ça a bien payé ^^

@Guertty La cabane me plaît bien, seul le blanc est un peu trop blanc. @Whatca Sympa mais dommage qu'il est perdu les détails sur le poitrail que l'on voyait dans la capture d'écran. @lin_mrn Pourquoi les cheveux n'ont pas les reflets du visage ? Dans l'ensemble très bonnes prestations. En ces temps, elle s'est laissé influencer par la mode... et à emprunté la trottinette de ses enfants...

Le soft brush est parfait quand tu aimes le style blending très lisse. Certains préfères avoir des coups de pinceaux chaotiques. Assez nerveux. Pour chaque outil, tu trouveras des + et des -. Le soft brush, blending impeccable mais mal utilisé, ça fera débutant, trop diffus de manière général. Surtout si les valeurs ne sont pas parfaitement conforme à la réalité. Le Hard Brush, rendra ton painting tout de suite solide. Mais plus dur de faire du blenging avec. Tu risques d'avoir des transitions très sales et très débutantes. Dans se cas là, jouer avec l'opacité peut être une solution. Tu risques cependant de te heurté à d'autres difficultés si tu tente un effet de Fresnel au hard brush à opacité basse. Prend exemple sur une ombre portée (hard brush) qui devient diffuse vers sa terminaison (soft brush ou hard brush à opacité basse. Ou encore Brush à dureté modéré de 50%). En conclusion, test plusieurs méthodes et garde celles avec lequelles tu te sens le plus à l'aise et avec lequelles tu as de meilleurs résultats. En art comme dans tout domaine. Il ni y'a pas de méthodes absolue qui marche pour tout le monde. 😉

Salut salut ! Je rejoins tout à fait les avis plus hauts ^^ et j'irais même plus loin, je crois qu'il faut ban ce brush soft si rassurant, au moins sur quelques exercices... Le fond, sur la réf que tu as pris, est d'un noir uni, ça aide à focaliser le regard sur l'explosion et l'action elle même ! Dans le même esprit, tu as des dégradés de PARTOUT ^^ alors certes, dans la réf il y a aussi des dégradés. Mais sur les parois du croiseur par exemple, ce sont des dégradés très très légers... Dans ton dessin, toutes les lumières sont diffuses... Alors que comme l'a dit notre Archange, dans l'espace, pas de brume... Les lasers, les textures, les volumes... A mon sens, tout ça doit être au brush dur. Plus tard viendront les petits halos et les effets de lumières rigolos qu'on a très envie de mettre et qui font briller l'illu. Pour parler d'autre chose, je pense aussi qu'il faudrait faire attention à la pers des ailes du XWing... (celles du fond devraient être plus proches l'une de l'autre il me semble). D'ailleurs ça permettra peut être de séparer un peu la forme des ailes du volume du croiseur, les lignes se confondent un peu ^^ En tout cas chouette sujet ! et ambitieux.

Salut @Yass BarbaryBarbary ! Merci pour ton retour ! Ça fait plaisir 😋

@ShozArt c’est vrai que le Y de Hubble est décalé faut que je le remette mieux. Pour le crâne merci beaucoup pour ce conseil je vais l’appliquer dès qu’il le faut dans mes croquis j’adore le rendu ! mercii beaucoup !

Créa de cette semaine de nuit : La grande salle de Poudlard Mixe de photobashing et peinture à partir d'une photo de la grande salle de balle d'Arundel en Angleterre qui a été utilisé pour le film Victoria. Qu'en pensez vous ? (les visages sont repeins à partir de photos du film)

Ces derniers temps, j'ai fait de l'animation 2D avec Blender qui dispose d'un nouvel outil, le Grease Pencil. Jevoulais le partager avec vous :

c'est du pure photobashing et moi j'adore ça prendre des photo les détourner ou leur donner un autre aspect... Généralement je re-règle la lumière colométrie et ensuite je repeins dessus pour modifier ou absorber le sujet dans l'image total... Regarde sur YouTube y'a de super exemples de photobashing... mes références c'est celle la : et celle la :

Nan mais yen a franchement !! Je suis un vieillard moi aussi là...

20 ans vieux, @étourneau, hé ben^^ J'ai quitté mon boulot à 33 ans pour me reconvertir au final dans le digital, donc l'âge c'est franchement pas important dans la balance. Seul compte l'apprentissage 😉

Merci à toi @thalli. :) Alors pour les nervures (car je suppose que c'est bien de ça dont tu parlais ? ^^); j'avais commencé à partir dans un long pavé indigeste, du coup histoire d'être plus clair je préfère détailler étape par étape avec quelques screenshots pour appuyer ce que j'écris. J'ai trouvé cette manière de faire en tâtonnant un peu et en expérimentant, ça vaut ce que ça vaut et ce n'est peut-être pas la manière la plus optimale ni la plus appropriée pour rendre ces veines, mais bon, c'est ce que j'ai trouvé de mieux en terme de rapport rendu/vitesse d'exécution sans recourir à des custom brushes. Je commence par prendre une couleur qui se détache bien sur les pétales (elle ne sera pas définitive, c'est juste pour bien voir ce que je trace -ici, j'ai pris du noir-). Puis, je trace les veines à la main sur un nouveau calque. J'essaye de donner un aspect un peu organique à l'ensemble, après tout, c'est un végétal. Donc je fais ça en à peine quelques minutes, généralement. :) Je prends en compte plusieurs points au moment de dessiner les veines: - Je n'essaie pas de reproduire à la perfection les veines du modèle, juste de m'en inspirer en ayant la photo de référence à côté. - J'essaie de choisir la bonne taille de brush et de réfléchir à l'échelle des veines, de manière à ce qu'elles aient une taille homogène sur toute la rose, et qu'elles ne soient ni trop grosses ni trop petites. - J'essaie de tenir compte du volume formé par le pétale. Typiquement, sur certains, il faudra tracer les veines en conséquence pour bien rendre le volume, comme ici: Une fois que ces veines sont tracées, je duplique le calque où elles sont. Je renomme celui le plus au dessus "Veines highlights" et celui du dessous "Veines shadows" (mais ça, c'est ma propre nomenclature -qui mélange parfois de manière anarchique anglais et français-, libre à toi de les appeler comme tu veux :p). Je fais un clic droit sur mon calque de Highlights --> options de fusion --> incrustation couleur --> je mets comme couleur la couleur la plus claire de mon pétale, en l’occurrence, ici, une espèce de blanc qui tire sur le blanc pur, mais pas tout à fait du blanc pur.) Je regarde sur la photo de ref où se trouve l'ombre portée des veines par rapport à leur partie éclairée: donc en gros, j'analyse la direction de la lumière. En conséquence, je décale mon calque "shadow" de quelques crans vers la droite. J'obtiens ceci, d'ores et déjà une impression de relief donc. Maintenant, il est temps de colorer les ombres. Je crée un nouveau calque au dessus de "Veines shadow" que j'appelle Colorisation. Je le passe en calque d'écrêtage (Alt + clic entre 2 calques dans la fenêtre des calques) pour que tout ce que je vais peindre sur ce calque ne se voie que sur le calque du dessous. Autrement dit, je peux peindre comme un bourrin, la couleur que je vais peindre sur ce calque ne s'affichera que sur mes veines et pas partout à côté. Je vais maintenant colorer mes ombres. On voit sur ce pétale deux zones de couleurs distinctes: une zone de gris légèrement violacé/bleuté, et une autre plus grise/verdâtre. Il sera donc logique que mes ombres dans la partie violacée seront davantage violettes et celles dans la zone verdâtre plus vertes... Je peins donc ma couleur en conséquence, sur mon calque Colorisation. :) (j'ai caché mon calque de Highlights, je te conseille de faire de même en peignant). Ensuite, j'applique un masque de fusion sur chaque calque Veine (je te suggère de regarder la vidéo de Spartan qui suit les exos de painting au lasso et qui explique tout sur les masques et leurs différences). Je vois que sur certaines parties du pétale, les highlights n'apparaissent pas partout. J'utilise donc un brush très doux (pour éviter defaire des transitions trop brutales entre les endroits où je fais disparaitre ma lumière et ceux où elle apparait), avec une couleur noire sur le masque de fusion, pour cacher ma lumière là où je ne veux pas qu'elle apparaisse. Puis, pour finir, je constate que mes ombres sont trop fortes comparées à l'image de base et qu'il y a des endroits sur le pétale où les ombres ne sont pas visibles, je vais donc, en peignant sur le masque de fusion associé à Veine Shadow (et pourquoi pas en baissant aussi un petit peu l'opacité du calque lui-même), cacher certaines ombres là où elles sont trop fortes et diminuer leur intensité. J'obtiens ceci. Et voilà. J'ai répété ce processus sur tous les pétales où les veines apparaissaient. J'espère t'avoir aidé, même si encore une fois, je pense qu'il existe des méthodes plus optimisées, ou que tu peux adapter ça à ta sauce... j'ai peut-être fait des erreurs dans ma logique de choix de couleur ou je ne sais pas, bref. :) On remarquera aussi que mes veines sont moins nombreuses et nettement moins détaillées que sur l'image de ref, mais le but ici c'était davantage de les suggérer, pas de les reproduire de manière exacte. :)