Classement

Hello, j'étais inspirée cette semaine alors voici ma deuxième participation. @sheity, on a eu la même idée 😅 Je trouve très joli et très fin. Qu'as tu utilisé comme technique ? @Xavier, Très sympa, bonne idée. Je dirais qu'il y a un problème de perspective sur la cuillère, ou alors elle est très profonde. Sinon très bien ! @Guertty, J'aime bien l'idée et ta réalisation. Le seul bémol pour moi ce sont les coups de brushs un peu brouillons à certains endroits. Mais en 1 h je comprends totalement, c'est très court. @Eustace, ça fonctionne bien pour le thème. Ça aurait mérité de travailler un petit plus les cheveux je pense. Et le highlight sur l'oreille est trop fort par rapport à l'intensité de la lumière qui vient frapper le visage. Voici le mien : Et je remets ma carotte dans ce post pour que ce soit plus facile pour Oliviou de faire le recap à la fin de la semaine.

Voilà la version "finie", J'ai tenu compte des avis et ai retravaillé du mieux que j'ai pu les points qui posaient problème : Le gamma, je sais toujours pas si j'ai bien compris ce que c'est, mais j'ai retravaillé les couleurs (avec l'outil correction sélective), et je trouve que ça mieux en terme d'ambiance globale. Pour ce qui est de la compo, plutôt que de changer l'orientation de mes éléments, j'ai choisi d'en ajouter. J'ai rajouté un perso au premier plan (en essayant d'éviter le classique voyageur avec un bâton). Son cheval à terre apporte du storytelling, mais comme il est un peu mal foutu, j'hésite à le laisser. Voilà, je ne pense pas que je reviendrai dessus, mais n'hésitez pas à donner vos avis.

Bonjour à tous j suis parti à fond sur du clair obscur mais la brillance de l écran éclairci bcp... C plus fin en réel et moins lumineux

Beaucoup de modif en effet ! Je trouve qu'on y gagne pas mal ^^ gg !

Sont goût exquis en a mis ko plus d'un. C'est très court 1h, je ne suis pas satisfait de mon coulis mais tant pis, j'ai passé 30 min supplémentaire pour un petit coup de polish. J'ai essayé le clair obscur aussi, peindre les noirs sur photoshop fait de gros artefacts un peu dégueu, il faut peut être passer en 16 ou 32bit?

Bonsoir à tous, Très original et très varié ces trois thèmes-ci (l'hilarant, le travail du mouvement et le travail de la lumière dans la composition) @Tehael Belle compo. En regardant les corrections que tu as faites, le rajout d'éléments au premier plan accentue bien cet effet de profondeur. Cependant je trouve que le flou que tu as rajouté sur les autres éléments derrière l'astronaute est un peu bizarre. ça doit être moi mais peut-être que le flou cinétique n'est peut-être pas assez accentué je ne sais pas ^^'.... Quoiqu'il en soit, c'est très chouette (je ne sais pas si tu as pensé au film Gravity pour réaliser ce travail ^^) @Mutsumipat On sent que tu t'es bien amusé dessus, ça se voit avec le travail de la carotte et le visage. Style un peu manga le visage (un peu je dis) je trouve ^^. Très cool. @nightfuries Très très drôle ta carotte, un bon arrêt sur image là x) ! Sacré perspective pour l'entrée dans l'atmosphère. Continue comme ça d'expérimenter les brushs c'est bien. Plus tu les connaîtras, plus tu seras rapide et toujours avec le même plaisir 🙂 Pour ma part, voici ma participation. J'ai hésité entre faire de l'hilarant avec la carotte ou rester sérieux en travail un élément important dans le dessin. Finalement je suis resté sur le clair-obscur cette fois-ci avec un loup-garou fantôme. Fini tout juste avant 1h, j'ai passé beaucoup de temps sur l'anatomie et essayer de représenter un minimum de poils, ce qui fait que pour le fond et la lumière, le travail est moins fichue. Néanmoins, je me suis bien amusé à réaliser ce concept en restant motivé à fond .

Bon ! Au départ j'ai regardé, j'ai dit "au non une carotte de combat hors de question!" XD ... Je me suis taté, car j'avais besoin de sortir de ce que je taffais, puis j'ai re regardé, et la "clair obscure" awé, bah pourquoi pas, alors j'ai fait un machin rapide en PLS, sur le sujet que je boss, car besoin de faire autre choses, mais j'aime beaucoup trop sur quoi je taff! Bref! @Chaise_En_Boisok, je voulais pas entendre parler de carotte de combat, mais clairement je suis fan XD ! @Perle de Neige ta carotte marche bien aussi elle est bien dynamique je trouve 😮 ! @mappledash j'avoue que voir la terre avec une tête m'a fait chelou, puis ensuite je me suis dite "la pauvre >.<", en faite tu à dessiné l'arrivé des humains sur terre... pauvre planète ^^° (cherche pas y fait nuit chuis fatigué XD!) @Mutsumipat toi aussi tu nous à fait une carotte vénère! j'aime bien comment tu à travaillé la texture :3 ! @Tehael J'adore! Super taff !lui aussi il prend cher le pauvre ! @Lady Melusine Aya super ton claire obscure ❤️ ! Bon Du coup me voila avec mon machin de 52 minutes (merci Manic Time pour ce superbe timer XD!)

J’avance doucement

Voila avec les modifs je suis content du résultat, c'est mieux à mes yeux.

🙂j’ai 45 ans et j’y crois...

Hello, j'ouvre le bal avec ma carotte de combat en 1 h tout pile. Quand j'ai vu ce thème j'ai pas du tout hésité 😂 C'était drôle à faire, alors que j'ai du mal en principe avec les speeds paintings. J'ai hâte de voir les autres participations !

Soyons francs, on s'est tous demandés plus d'une fois "il veut dire quoi ce foutu terme anglophone ?" dans une vidéo, un tuto ou sur une page web. En digital painting, et même de manière plus large en concept art, 3D ou autre, les termes techniques et les anglicismes sont fréquents et utilisés quotidiennement. Comme je n'ai pas souvenir que cela ait déjà été fait et suite à la suggestion de @Goronzor, je lance ce sujet collaboratif qui a pour but de créer un glossaire qui liste tous ces termes avec une rapide explication/traduction. Ca peut être fun à remplir et ça peut aider plein de monde à l'avenir. Merci à lui pour l'idée et merci d'avance à tous ceux qui fileront un coup de main ! ------ Comment participer ? ------ Réponds simplement à ce sujet en proposant les termes et leur explication, ensuite régulièrement un modérateur de l'équipe ou moi-même l'ajoutera au sujet initial en l'éditant. Ca devrait vite se remplir au fur-et-à-mesure. 😉 ----------- LE GLOSSAIRE -------------- Liens supers utiles : glossaire Ps et glossaire inversé de Ps - Aberration chromatique : Effet graphique subtil de mélange des couches chromatiques d'une image (suite à une superposition inexacte). C'est quelque fois utilisé à la fin d'un digital painting pour apporter du réalisme. - Action : Script, est un ensemble de commandes réunies en une seule, exécutable d’un simple clic dans le panneau Script - Ambient light : Lumière ambiante - Lumière provenant de l'environnement - Ambient occlusion : Ombre d'occlusion, occlusion ambiante : zone d'ombre qui ne reçoit aucune lumière. Se retrouve dans les zones de contact de 2 formes. - Background : L’élément de fond d’une image, souvent le(s) plan(s) le plus distant(s) - Bitmap : Image matricielle composée de pixels. Chaque pixel dispose de son information de couleur. Ensemble, ils forment une image. Plus la résolution est haute, plus la définition et le nombre de détails visible sont importants. - Blend-If : Option de fusion sélective - Blender : Logiciel gratuit et puissant de 3D (modélisation, animation, rendering...) - Blending : Mélange des couleurs. Méthodes diverses en vue d'obtenir des transitions douces, des dégradé de couleurs. - Blend mode : modes de fusion - Blocking : Rough validé de la scène avant la production. - Blocking 3D : Rendu 3D d'une scène et de pose clefs de personnages, souvent à l’état brut, pour préparer le travail de production et valider les choix artistiques (composition, lumieres, posing, ...) - Blur : "Flou" en anglais - Breakdown/Call-out : Schéma(s) plus ou moins poussé(s) qui aide(nt) à la compréhension et à l'explication d'un concept art. - Bright : (couleur) vif, vive // (soleil, cieux ...) = éclatant, lumineux/se // (réflexions métaux, eaux...) = brillant, étincelant. - Brush : il s'agit de l'outil Pinceau, pour être plus spécifique cela désigne la "brosse" (= brush en anglais) choisie pour dessiner et peindre avec l'outil Pinceau. C'est en gros la forme et ses réglages. - Brushwork : la façon dont on fait les traits, le coup de crayon - Burn : Densité + - Callouts : c'est ton concept "détouré" avec explications , legendes etc - Cast shadow : Ombre portée - ombre sur un objet créé par un autre objet ou forme qui bloque la lumière - CG : Computer Graphics, une œuvre graphique, un dessin ou une illustration entièrement créée ou modifiée par le biais d'un ordinateur. - Character design : Conception et création de personnages - Core shadow : Cœur de l'ombre (ou encore Terminator, zone la plus sombre d'une ombre propre) : La zone d'une ombre propre qui reçoit le moins de lumière, située à la limite de la zone éclairée par la lumière directe. Se retrouve sur les formes arrondies (sphère, cylindre, etc.) - Custom brush : Sur le même principe que le précédent, c'est un brush qui a été crée et modifié pour avoir une forme, une répétition ou d'autres réglages spécifiques. Exemple : un custom brush qui imite des feuilles d'arbre. - Cutaways : ce sont des vues avec détails intérieurs , comme par exemple en dessin industriel vues en découpes / écorchés etc - Désaturation : C'est la perte de couleur d'une image : plus elle est désaturée, plus elle virera à des nuances de gris. - Direct light : Lumière directe - Lumière provenant d'une source lumineuse (par exemple : soleil, ampoule) - Dodge : Densité - - Edge/edgework : les bords. Quand un artiste parle de edge, il parle des bords des objets ou des éléments de l'image, certains doivent être durs (dureté 100% au max, les bords sont très visibles) d'autres doux (dureté 0% au max transition douce) - Fill Light : Lumière de remplissage. Elle contre les ombres fortes formées par la Key Light afin de les adoucir. - Flip (per) : renverser l'image, horizontalement si non précisé. - Form shadow : Ombre propre - ombre sur un objet située sur le côté opposé à la lumière - God Light : Rais de lumière (du soleil en général) à la manière de la lumière divine dans les peintures religieuses ( on peux avoir une god light dans un vaisseau spatiale par exemple ) - Halo : Effet lumineux d’éblouissement généré par une lumière (généralement quand on regarde vers elle, ou un puissant reflet). - High Key / Low Key : techniques photographiques jouant sur deux tons d'une image : le clair et le foncé. High Key = domination des valeurs claires (surexposition). Low Key = domination des valeurs foncées (sous-exposition) - High Pass : Correspond à Pass -Haut, est un filtre Photoshop permettant d'accentuer la netteté d'une image - Horizon line : Ligne ou courbe utilisée comme point de repère, afin de placer les points de fuite des objets posés au sol. - Hue : Littéralement (Shade) nuance, couleur, teinte // en mot composé (violet/rose-hue(d) = teinté de violet/rose) teinté de .... - IP : Intellectual Property / Propriété Intellectuelle. Oeuvre sous licence (Disney/Marvel, tout ce qui sous propriété d'une production ou édition). Ce dit aussi d'une oeuvre personnelle développée sur une création propre, et pouvant donc être licensiée. - Key light : Lumière principale. Celle qui éclaire le plus le modèle. - Lasso tool : Outil de sélection numérique pour verrouiller une zone. - Lineweight : = Technique d'encrage demandant de changer le poids de ligne des éléments suivant leurs groupes, dynamiques, lumières et/ou distance pour plus de lisibilité. - Loose / Stay loose : sketchy, imprécis, flou, ne pas rentre dans les détails - Mattepainting : Technique d'incrustation et de masquage sur base photo ou rendu en vue de créer un composite. - Mixer Brush : pinceau mélangeur - Mode d'incrustation : Dans tous les logiciels de digital painting, on peut modifier le comportement d'un calque : soit il s'affiche normalement (en recouvrant ce qui est en-dessous) soit ses couleurs vont se mélanger à celles en-dessous pour donner un résultat différent, comme pour éclaircir, obscurcir, changer les couleurs, etc... C'est ce qu'on appelle changer le mode de fusion du calque. Exemple : du mode "normal" au mode "Incrustation". - Ombres portées : Ombres projetées par un objet sur un autre. - Opacité : c'est la visibilité d'un élément. On parle souvent de l'opacité d'un calque, qui généralement se traduit entre 0 (invisible) et 100 (100% visible) - Overlay : Traduction du mode de fusion "Incrustation" en anglais. On dit souvent "mettre le calque en overlay" ou "peindre en overlay", ce qui signifie "peindre en Incrustation". - Overpainting : Peindre par dessus un photobashing, un blocking 3D, ... voir PO - Pixel : Unité de mesure de la taille d'une image. Par exemple : 2000 x 1500 px (pixels) - Pixellisation : Lorsqu'on peut voir les pixels d'une image : la définition est insuffisante, on voit les carrés des pixels, ça donne un rendu flou. C'est généralement quelque chose qu'on cherche à éviter. Attention à ça en photobashing ! - Photobashing : Technique d'assemblage/collage/incrustation de photographies afin de texture ou de rendu. - Photoréalisme : Désigne la recherche pour une création (image) d'un rendu le plus proche possible d'une photo/du monde réel. - PO = Paint Over : Peindre par dessus - Posing : Acting des personnages par leurs dynamique corporelle. - PSD : photoshop document= format de document photoshop - Radiosité : Effet de rebond de la lumière d'une surface à une autre (cf cours du Programme indispensable Partie 1 Chapitre 5) - Rendering : 1. génération de l'image (finale ou non), calcul du rendu (3D) ; 2. les finitions, les détails. C'est ce qui prend le plus de temps en général. - Rim Light : Lumière sur les bords d'un objet pour faire comprendre qu'il y a de la lumière derrière ce dernier. Permet de mieux définir les volumes des objets. - Rough/sketch : Crayonné  - Saturation : Intensité d'une couleur : plus elle est sarturée, plus sa couleur est vive. Moins elle l'est, plus elle ira vers le gris. - Scale/scaling : L'échelle est la comparaison de taille entre deux éléments. Un personnage à la bonne échelle est de bonne taille dans son environnement. Une mauvaise échelle signifie que l’élément est trop petit / gros par rapport au reste. - Scrumbling : gribouillage - Shading : ombres, hachures - Shadow (of colour) : ton, nuance - Shadowy : flou, indistinct, vague - Shape : Forme - Smudge : l'outil doigt - Snapper : adhérence/adhésion/magnétisme (avec une grille ou des guides par exemple) - Soft brush : Brush soft = Brosse avec une dureté à 0%, ce qui donne un rendu aérographe et des bords flous, aussi appelés "softs". - Specular : Spéculaire = la partie la plus lumineuse, quasi blanche des high lights. Plus la matière est réfléchissante plus il y a de chance qu'il y ait des spéculaires, mais sur les matières non réfléchissante il n'y en a normalement pas. - Storytelling : Raconter une histoire - Subsurface scattering : Trans-luminescence. Phénomène lumineux : certains rayons lumineux arrivent à traverser la matière, on voit donc un peu de la couleur interne de l'objet éclairé, dans une lumière claire et saturée, souvent (toujours ?) juxtaposée terminator. - Tangente : Erreur de lignes de composition venant à se toucher ou presque, et qui finissent par troubler la perception du spectateur - Terminator : Partie de l'ombre la plus sombre : là on ne reçoit ni lumière directe et l'endroit recevant le moins de lumière réfléchie. - Thumbnails : "vignettes" réalisées rapidement, ma plupart du temps en valeurs de gris, créées à l'étape préparatoire d'un digital painting / concept art dans le but de tester plusieurs compositions, afin d'en choisir une et la développer. - Turnaround : Dessiner un sujet (personnage, créature, bâtiments, etc...) sous différentes angles (face, dos, 3/4, etc...) afin d'aider l'artiste 3D à modéliser le sujet en lui donnant un max d'infos. - Update : maj, mise à jour - Values : Terme récurrent en digital painting, il désigne les variations de niveau de gris d'une image, basiquement ce qu'on voit en valeurs de gris, c'est la luminosité, sans tenir compte des couleurs. - Vanishing point : Repère spatial vers lequel les axes vont converger afin de simuler la distance - Vector : Une image vectorielle est composée de vecteurs, point géométrique. Chaque vecteur dispose de coordonnées spatiales et d'un ensemble de données qui lui est propre (courbe de Bézier, taille de la droite, couleur, etc). Ensemble, les vecteurs forment une image vectorielle. - Watercolor : Aquarelle - WIP : work in progress, un travail en cours de réalisation. - Wraps : déformations/transformations - Zbrush : Logiciel de modélisation 3D très apprécié des concept artists utilisant une technologie propre appelée pixels 3D : Pixols. -------- Merci à tous pour votre participation ! Et à @Yun77 qui a largement mis à jour ce glossaire (Et qui continue !!😅). Dernière maj : 7/4/23

Bon je me suis donné comme objectif de terminer le putain de Moleskin que je me suis acheté, et finalement ca fait 2 ans que je me trimballe le même. Il ne se remplit pas à la vitesse que je souhaiterais :D Néanmoins ca pose aussi une autre question. Le principe du carnet de voyage c'est avant tout de faire des experiences, de tests de design inachevés. Et le gros problème que j'ai c'est que je me dois de faire un truc achevé la plupart du temps. Du coup je fais des compositions quasi-completes, à chaque fois, voire même plusieurs par pages, et du coup je passe entre 1h et 2H sur chacun d'entre mes croquis au lieu de faire un jet de 15/30 minutes, même si le résultat est dégueu. De l'autre côté du spectre, j'ai aussi l'autre problème qui est que je ne peux pas passer plus de 3 ou 4 heures sur une planche (parceque ca me gonfle, et que si j'ai pas l'impression d'avoir fait un truc convenable en 2 ou 3h, je peux m'arrêter et partir sur un autre truc). Donc j'arrives à un point ou j'ai du mal à construire vite MAIS en même temps j'ai du mal à apprendre de mes erreurs parce que j'ai pas la patience de reconstruire par dessus. Qu'en pensez-vous?

Bonjours et Bienvenu à toi Nayna tu as fait le bon choit en venant ici 🙂 on m'a dit que ce site est super ! il n'y a pas d'âge pour ce lancer il n'y a qu'à voir ce bon vieux Léonard de Vinci X).... en ce qui me concerne j'ai bientôt la trentaine oui les paliers avec un zéro sont toujours les plus durs j'espère que tu restera longtemps pour que l'on puisse voir tes début ^^

Merci Spartan ! Bon, ben, j'ai plus aucune excuse pour ne pas continuer à fond demain !!! 😅😋

@rx98 t’aurais plus vu un truc comme ça non?

Merci @Spiris oui j'avais essayé de donner un coté mysterieux^^ J'ai arrangé, du coup c'est mieux entre temps j'ai essayé une jungle

j ai fait celui là mais une heure c'est court pour faire tous les détails et bien nettoyer. et le visage en plus net..

Ca fais vraiment longtemps, mes souvenirs sont très vagues. C'était des bougies avec la cires coulantes. Je ne pourrais pas donner d'avantages de détails malheureusement je ne me souviens plus. Les flammes dansantes n'avais pas de vêtements, puisqu'elles étaient des flammes, je me rappel vaguement qu'elles prenait des position style danseuses ballerines. Un peu dans ce style là, mais bien mieux réalisé, et avec plusieurs bougies et flammes. Enfait on pouvais confondre les formes, elle représentait bien de véritables flammes mais formait tout de même des formes humanoïdes prenant des positions de danse.

Je rejoins les avis précédent, très bien maitrisé niveau des proportions et de l'épaisseur des lines, rien à redire... Bravo 😉

hello, en tout cas merci pour les infos, je vais essayer aussi de mon coté car j'ai eu des difficultés sur cette forme, j'ai eu l'impression de bidouiller 😛

No problem, on est là pour ca 😉 Alors pour les proportions tu t'en sors pas mal, ce que je remarque c'est que les orbites sont plus larges, le nez un peu plus petit, le reste ca matcH. Au niveau des lines je te conseil de varier un peu l'épaisseur et l'opacité grace à la pression de ton stylet, je te laisse les réglages conseillés plus bas Et un exemple pour varier tes lines. L'idée c'est de mettre l'accent sur les contours de formes, les endroits ou le volume change beaucoup et garder des lines plus discrètes pour les détails et reliefs de surface.

Yep, alors tu peux marquer un peu plus le contour de l'ouverture de la bouche, c'est quand même un élément de volume important, il y'a un creux ici donc une grosse rupture (un peu comme pour les orbites) ici la moustache ressort + alors que c'est plutôt un élément de surface. (bon je chipote mais que tu comprenne bien là ou je voulais en venir) C'est beaucoup mieux là je trouves. Pour le paysage j'ai fais un PO c'est plus simple, donc les contours de formes importantes sont accentués, les lignes discontinues sont réservés au détails qui sont à l 'intérieur des formes majeures, par exemple les motifs sur les pierres, les vagues sur l'eau, les feuilles des arbres...

merci @Gimbal pour ta précision , certainement une fausse manip oui . effectivement le Ctrl + Z j'en abuse énormement mais ca va venir avec la pratique je l'espère . concernant le hubble je pensais que c'etait l'effet recherché pour le carré j'ai pas bien fait attention . Sinon je me suis essayé à l'exercice du crane , et bien qu'est ce que c'etait difficile , on ne s'improvise pas dessinateur du jour au lendemain , mais la technique des plusieurs croquis ca aide vachement je suis arriver a un truc qui ressemble a un crane lol mais peu mieux faire . par contre j'ai du faire 4 croquis pour y arriver le 3eme je n'etais pas du tout satisfait . je vous laisse juger

Salut à tous! Voilà d'ordinaire je n'ose pas trop partagé mes créations mais j'ai envie de progressé et du je compte sur votre soutien pour me guider et me conseiller sur les choses qui ne vont pas. Alors je commence avec cette illustration sur laquelle je suis dessus en ce moment, si jamais vous avez des conseils ou des choses à redire notamment au niveau de la lumière (j'ai encore du mal à avoir une vue d'ensemble sur comment se comporte la lumière sur un dessin). J'hésite aussi beaucoup à trouver le moment où je peux commencé à bien m'attaquer aux détails, généralement je le fais quand toutes mes valeurs sont posé 🤔 ps: j'ai pas encore terminé de faire le rocher en premier plan

Il ne faut pas hésiter à pousser tes contrastes (à être plus extrème dans ton approche), en faisant un croquis avec 3 ou 4 valeurs tu te rendras mieux compte si ça marche ou non. La il y a également un problème de compo, personnage trop à gauche, rocher trop présent avec la même valeur, posing du monstre bord cadre. La découpe des personnages (leur ombre chinoise) passe l'une par dessus l'autre de façon trop prononcée. Il faut les séparer plus. Un exemple en image

Très bien ton croquis. 👍 J'aurai peut-être directement fait le contour des iris avec l'outil ellipse/cercle pour donner plus d'impact sur le regard...🤔

Très sympa ce redraw tu as bien level up ^^ Ha^te de voir le final !

merci de ton retour, je ne me permettrai pas d'emettre un avis sur ton loup garou, dû à ma pauvre experience. Mais bien réussi !

Bonjour, Habituellement je prends un peu + de temps pour le thème mensuel. J'ai voulu me forcer à pas partir dans quelque chose de trop compliqué. @Neuf150 : Sacrément longue cette rue, on n'en voit pas le bout. En tout cas, elle a été fortiche d'aller aussi vite sur une si petite trotinette. @lin_mrn : j'aime bien ton éclairage, j'aurai pas pensé à ça (rouge/bleu) mais ça rend bien. @Guertty : je petit chaperon rouge à définitivement mon vote. j'aime autant le rendu que la tension de la scène.

Salut, Déjà bienvenue, j'espère que tu te plaira ici. Ce que je peux te dire concernant les tablettes à écran c'est que tu auras des facilité au début de la formation. Il y a déjà peu de différence entre ceux qui ont une tablette avec ou sans écran a la fin de la partie 1. Si tu souhaites en savoir plus va voir le sujet du choix de la tablette graphique de spartan. J'ai pour ma part acquis une Huion kamvas pro 16 mais elle était en réduction (290 euros au lieu de 450). Tout dépendra de ton budget et de ton utilisation !

entre temps dans les 2 semaines j'ai aussi fait ses 3 portrait entre autre

Ahah bwarf, j'arrête pas de m'enmêler aussi, j'essai de bien les grouper et les nommer maintenant ça aide ! xD Alors là j'ai rien à dire je le trouve vraiment très beau ton crâne (le croquis bien sûr ! 😄 parce que c'est moi le chauve dans l'histoire haha !) J'en suis presque jaloux héhé ! Du bon boulot !

@magist oh très joli !!! Une carotte de caractère !!! =D Et voilà ma carotte de combat xD c'était bien amusant !!

Hello ! Hé ben bienvenue dans ce chapitre 😛 J'ai pas grand choses à redire sur tes exercices ça marche plutôt très bien ! Juste une remarque sur le Hubble au niveau des ellipses qui m'ont pas l'air toutes similaires dans la courbure autour du cylindre mais comme je l'ai dit sur un autre post, je sais plus si c'est quand même logique ou pas (pas trop calé encore sur les formes :D) en tout cas c'est vraiment pour chipoter ! Hâte de voir la suite 🙂

@FireKnight Salut bonhomme! L'idée pourrait être cool, même si en une heure, tu pourrais aller beaucoup plus loin. Peut etre avec le materiel adapté; car je pense que tu travailles à la souris. N'oublie pas que les premieres valeurs d'ombres et de lumières peuvent commencer à rendre ton idée vraiment interessante. Et n'oublie pas de commenter tes pairs également, rien de tel pour progresser ! @Lady Melusine Vraiment giga ambitieux pour un DP d'une h ! 😄 Globalement l'athmosphère est sympa. Les transitions sont par contre à revoir; a moins que tu l'aies fait exprès. Tu n'as utilisé qu'un seul brush hard sur tout le dessin; n'hesite pas a varier. Quitte a en prendre deux, un soft et un hard. Ca te permettra de faire des transitions douces sur la peau et sur le vêtement, bref, partout. Et le brush hard te permet de faire des contour propre, et quelques transitions dures. Quelques soucis d'anaomie, crane trop petit par rapport au visage, arrête du nez penchée. Pour les cheveux, il faut vraiment les peindre en masse pour leur donner un aspect plus réaliste, plutot que cheveux par cheveux. Mais bon, focalise toi déja sur les transitions, c'est indispensable pour passer à un cran superieur. Well done miss en tout cas! @Tehael Y'a une vrai ambiance dans ton dessin;... Tu as travaillé au lasso, je pense, c'est super adapté pour ce que tu veux faire. Dommage que tu n'as pas eu le temps de rajouter un peu de texture a la fin. La compo est loin d'être à l'ouest, contrairement aux critiques qui ont été faites sur ton autre dessin sur Discord. Tu disais que tu n'avais pas le niveau de prendre un point de vue plus intéressant, mais je suis pas tout à faire d'accord étant donné ce dessin. A la limite, la prochaine fois, force toi a faire un dessin en contreplongée plutot qu'une vue de coté. Comme tu l'a suggéré, c'est une claque dans la figure quand on essaie de varier l'angle et faire un truc donc on a pas du tout l'habitude... 🙂 @Magist J'en commente un quatrieme car je trouve que le tien est vraiment vraiment sympa. T'es un pro des lapins 😄 Dommage que tu n'ai pas pu mettre des ombres sur le dessin, ca aurait été ouf, même juste des plans d'ombre et de lumière simple. Une ombre portée sur la carotte permettrait de mieux faire comprendre que la carotte est sur le tronc par ex. Mon dessin, fait en une heure 10minutes (les 10 dernières minutes ont été nécessaire sinon c'était pas présentable, lol). Je ne suis pas très content de moi, car j'aborde cette exercice comme un DP classque, et je n'utilise pas de technique particulière adaptée au speed. J'essaierai cette semaine sur un des autres thème...

Le soft brush est parfait quand tu aimes le style blending très lisse. Certains préfères avoir des coups de pinceaux chaotiques. Assez nerveux. Pour chaque outil, tu trouveras des + et des -. Le soft brush, blending impeccable mais mal utilisé, ça fera débutant, trop diffus de manière général. Surtout si les valeurs ne sont pas parfaitement conforme à la réalité. Le Hard Brush, rendra ton painting tout de suite solide. Mais plus dur de faire du blenging avec. Tu risques d'avoir des transitions très sales et très débutantes. Dans se cas là, jouer avec l'opacité peut être une solution. Tu risques cependant de te heurté à d'autres difficultés si tu tente un effet de Fresnel au hard brush à opacité basse. Prend exemple sur une ombre portée (hard brush) qui devient diffuse vers sa terminaison (soft brush ou hard brush à opacité basse. Ou encore Brush à dureté modéré de 50%). En conclusion, test plusieurs méthodes et garde celles avec lequelles tu te sens le plus à l'aise et avec lequelles tu as de meilleurs résultats. En art comme dans tout domaine. Il ni y'a pas de méthodes absolue qui marche pour tout le monde. 😉

C'est fait !

Salut @Yass BarbaryBarbary ! Merci pour ton retour ! Ça fait plaisir 😋

Créa de cette semaine de nuit : La grande salle de Poudlard Mixe de photobashing et peinture à partir d'une photo de la grande salle de balle d'Arundel en Angleterre qui a été utilisé pour le film Victoria. Qu'en pensez vous ? (les visages sont repeins à partir de photos du film)

Ces derniers temps, j'ai fait de l'animation 2D avec Blender qui dispose d'un nouvel outil, le Grease Pencil. Jevoulais le partager avec vous :

Hello @Lexy! Bienvenue sur le forum DPS ! Pour répondre à ta question, sache que j'ai fait sans gros souci déjà les 4 premiers chapitres de la partie 1. Procreate possède la majorité des options de Photoshop dont tu auras besoin pour le digital painting avec quelques différences par-ci par-là comme l'option de flux sur les brushs pour faire le blending qui est un peu caché ou certains outils qui fonctionnent légèrement différemment comme le lasso par exemple, mais rien de bloquant. Depuis la version 5 de Procreate tu peux aussi importer les brushs Photoshop, ce qui te permettra de pouvoir bénéficier des brushs que Spartan offre dans ses cours. Les seules choses qui vont te manquer se sont des options vraiment spécifiques comme des filtres pour faire des effets particuliers plus facilement mais que tu peux remplacer par d'autres pour un effet pas tout à fait identique mais qui fait le boulot (ex: le filtre de flou de perspective que Spartan utilise pour l'illustration des oisillons que tu peux remplacer par le flou gaussien classique même si l'effet n'est pas tout à fait identique). Mais rien qui t'empèche d'acquérir les compétences que les cours prodiguent. Et pour tout souci que tu pourrais rencontrer avec Procreate, ce sujet est là pour répondre à tes questions en cas de besoin. Pour résumé, je pense que les parties 1 et 2 sont largement faisable avec Procreate, il y a que la 3e partie qui aborde des techniques un peu plus spécifiques et qui pourraient utiliser des outils que Procreate n'a pas, mais je ne peux pas être catégorique car je ne l'ai pas faite. Et pour finir, si tu veux un conseil, investit dans le programme indispensable une partie à la fois. Commence par la partie 1, termine là et ensuite investit dans la suivante, etc. Pourquoi ? 1. Chaque partie est très complète et te prendra énormément de temps à completer et si par malheur tu t'essoufles en cours de route tu n'auras pas dépensé tout ton precieux budget sans en tirer tous les bénéfices. 2. En tant qu'élève, tu bénéficies d'une réduction sur les autres parties quand tu en as acquéris une première, donc n'ait pas peur que ca te coute plus cher si tu achètes chaque partie séparément. Voilà, j'espère que ca t'aidera. Happy painting ! 👨🏻‍🎨

@Nejinyu c'est la nuit certes, mais j'ai du mal à comprendre la scène, peu-être trop sombre? :D @Whatca c'est sympa, après, c'est peu être un poil trop clair et avec quelques petits soucis de raccord (j'ai du mal à trouver les lignes de fuites ou la profondeur de certains bâtiment), mais l'ambiance est sympa ! Ton aquarelle est cool, ( respect, j'arrive plus à toucher à un pinceau pour ma part :D, trop addict au ctrl+z), juste ta lumière secondaire un peu forte et l'ombre sur la tête qui est peu être trop droite ( sauf s'il a le crâne plat !) @callisto sympa ce landscape, un peu de difficulté à distinguer les plans ( normalement, plus on s'éloigne et moins c'est détaillé, contrasté), mais le choix de couleur fonctionne bien. Pour ma part, j'en ai profité pour faire un redraw d'un vieux dessin d'il y'a 2ans qui tombe dans le thème je pense :

c'est du pure photobashing et moi j'adore ça prendre des photo les détourner ou leur donner un autre aspect... Généralement je re-règle la lumière colométrie et ensuite je repeins dessus pour modifier ou absorber le sujet dans l'image total... Regarde sur YouTube y'a de super exemples de photobashing... mes références c'est celle la : et celle la :

@Whatca très joli, j'aimerai arrivé a ce résultat... bravo. @Nejinyu ton image est très noir, je n'arrive pas a lire le dessin (c'est la nuit je te l'accorde, mais la c'est tout noir). J'ai une petite question, lorsqu'on a posé le dessin et qu'on a lu vos commentaires ? as -t'on le droit de mettre la même image corrigée ? Merci d'avance. ?

Nan mais yen a franchement !! Je suis un vieillard moi aussi là...

20 ans vieux, @étourneau, hé ben^^ J'ai quitté mon boulot à 33 ans pour me reconvertir au final dans le digital, donc l'âge c'est franchement pas important dans la balance. Seul compte l'apprentissage 😉

Merci à toi @thalli. :) Alors pour les nervures (car je suppose que c'est bien de ça dont tu parlais ? ^^); j'avais commencé à partir dans un long pavé indigeste, du coup histoire d'être plus clair je préfère détailler étape par étape avec quelques screenshots pour appuyer ce que j'écris. J'ai trouvé cette manière de faire en tâtonnant un peu et en expérimentant, ça vaut ce que ça vaut et ce n'est peut-être pas la manière la plus optimale ni la plus appropriée pour rendre ces veines, mais bon, c'est ce que j'ai trouvé de mieux en terme de rapport rendu/vitesse d'exécution sans recourir à des custom brushes. Je commence par prendre une couleur qui se détache bien sur les pétales (elle ne sera pas définitive, c'est juste pour bien voir ce que je trace -ici, j'ai pris du noir-). Puis, je trace les veines à la main sur un nouveau calque. J'essaye de donner un aspect un peu organique à l'ensemble, après tout, c'est un végétal. Donc je fais ça en à peine quelques minutes, généralement. :) Je prends en compte plusieurs points au moment de dessiner les veines: - Je n'essaie pas de reproduire à la perfection les veines du modèle, juste de m'en inspirer en ayant la photo de référence à côté. - J'essaie de choisir la bonne taille de brush et de réfléchir à l'échelle des veines, de manière à ce qu'elles aient une taille homogène sur toute la rose, et qu'elles ne soient ni trop grosses ni trop petites. - J'essaie de tenir compte du volume formé par le pétale. Typiquement, sur certains, il faudra tracer les veines en conséquence pour bien rendre le volume, comme ici: Une fois que ces veines sont tracées, je duplique le calque où elles sont. Je renomme celui le plus au dessus "Veines highlights" et celui du dessous "Veines shadows" (mais ça, c'est ma propre nomenclature -qui mélange parfois de manière anarchique anglais et français-, libre à toi de les appeler comme tu veux :p). Je fais un clic droit sur mon calque de Highlights --> options de fusion --> incrustation couleur --> je mets comme couleur la couleur la plus claire de mon pétale, en l’occurrence, ici, une espèce de blanc qui tire sur le blanc pur, mais pas tout à fait du blanc pur.) Je regarde sur la photo de ref où se trouve l'ombre portée des veines par rapport à leur partie éclairée: donc en gros, j'analyse la direction de la lumière. En conséquence, je décale mon calque "shadow" de quelques crans vers la droite. J'obtiens ceci, d'ores et déjà une impression de relief donc. Maintenant, il est temps de colorer les ombres. Je crée un nouveau calque au dessus de "Veines shadow" que j'appelle Colorisation. Je le passe en calque d'écrêtage (Alt + clic entre 2 calques dans la fenêtre des calques) pour que tout ce que je vais peindre sur ce calque ne se voie que sur le calque du dessous. Autrement dit, je peux peindre comme un bourrin, la couleur que je vais peindre sur ce calque ne s'affichera que sur mes veines et pas partout à côté. Je vais maintenant colorer mes ombres. On voit sur ce pétale deux zones de couleurs distinctes: une zone de gris légèrement violacé/bleuté, et une autre plus grise/verdâtre. Il sera donc logique que mes ombres dans la partie violacée seront davantage violettes et celles dans la zone verdâtre plus vertes... Je peins donc ma couleur en conséquence, sur mon calque Colorisation. :) (j'ai caché mon calque de Highlights, je te conseille de faire de même en peignant). Ensuite, j'applique un masque de fusion sur chaque calque Veine (je te suggère de regarder la vidéo de Spartan qui suit les exos de painting au lasso et qui explique tout sur les masques et leurs différences). Je vois que sur certaines parties du pétale, les highlights n'apparaissent pas partout. J'utilise donc un brush très doux (pour éviter defaire des transitions trop brutales entre les endroits où je fais disparaitre ma lumière et ceux où elle apparait), avec une couleur noire sur le masque de fusion, pour cacher ma lumière là où je ne veux pas qu'elle apparaisse. Puis, pour finir, je constate que mes ombres sont trop fortes comparées à l'image de base et qu'il y a des endroits sur le pétale où les ombres ne sont pas visibles, je vais donc, en peignant sur le masque de fusion associé à Veine Shadow (et pourquoi pas en baissant aussi un petit peu l'opacité du calque lui-même), cacher certaines ombres là où elles sont trop fortes et diminuer leur intensité. J'obtiens ceci. Et voilà. J'ai répété ce processus sur tous les pétales où les veines apparaissaient. J'espère t'avoir aidé, même si encore une fois, je pense qu'il existe des méthodes plus optimisées, ou que tu peux adapter ça à ta sauce... j'ai peut-être fait des erreurs dans ma logique de choix de couleur ou je ne sais pas, bref. :) On remarquera aussi que mes veines sont moins nombreuses et nettement moins détaillées que sur l'image de ref, mais le but ici c'était davantage de les suggérer, pas de les reproduire de manière exacte. :)