Classement

Merci @Yselda, merci @Neuf150 Hâte d’apprendre à foison et de travailler dur pour m’améliorer.

🙂 Bonjour à tous, moi c'est Flo, j'ai 34 ans et je viens de Strasbourg J'ai toujours aimé dessiner cette passion m'a été transmise par mes parents, qui m'ont donné l'envie de travailler les couleurs et de donner vie à mon imagination. Cependant j'ai troqué mes crayons pour des pinceaux de maquillage pendant 10 ans. J'ai finalement repris mes crayons et j'ai même repris les pinceaux mais pour la gouache cette fois. Je fais beaucoup de reproduction (mon imaginaire débordant dans mes jeunes années n'est plus), en voulant m'améliorer en dessin par mes propres moyens, j'ai perdu la faculté de dessiner de tête. (Peut être l'âge aussi ^^'). Mais n'ayant jamais pris de cours je me rend compte qu'il me manque beaucoup de base... Le Digital painting m'a toujours attiré par les possibilités infinies de couleurs, textures etc. Mais je n'osais pas me lancer de peur de perdre l'attrait du dessin et de la peinture et de ne pas être à la hauteur. Mais après avoir longuement lorgner sur ces cours et après avoir fais les premiers exercices gratuits, je me suis dit qu'il était temps de prendre le taureau par les cornes, de renouer avec mon imaginaire et m'améliorer en dessin, de maîtriser tout l'art du Digital painting et de continuer pour atteindre mes rêves. Alors je me lance en tant que néophyte en digital painting et dessinatrice du dimanche, pour apprendre et m'épanouir dans un domaine qui me plaît et qui vend du rêve à tant de gens.

Bonjour à tous, je me présente, je suis Anara. J'ai décidé qu'il était temps pour moi d'apprendre la couleur et le digital painting, et continuer d'apprendre le dessin. Voici le dessin du chapitre 0 et mon premier dessin sur photoshop, j'ai hâte de voir l'évolution au fil des mois.

Hello, désolé pour le retard, j’ai eu quelques complications, mais c’est bon, c’est fait, le WIP arrive ! Tout d’abord, un tout grand merci pour vos likes, je suis super content que ma participation ait plu 😊. Merci aussi à @Aelenn pour ton commentaire, ça m’a fait très plaisir ! Mais, trêve de bavardage, passons à mon WIP (chose promise, chose due 😉) Mes inspirations, réflexions et préparations La mosaïque ne devant pas être surchargée et me demandant une réflexion supplémentaire à cause de la contrainte de la taille des tesselles, j’ai dû faire pas mal de recherches et de réflexions afin de « designer » cet assemblage. Pour commencer, j’ai dû trouver une bonne mise en scène pour présenter les deux créatures. Ils sont décrits comme des monstres s’attaquant aux marins qui osent tenter de passer par leur détroit, je me suis donc dit qu’il serait presque logique d’intégrer un bateau grec à la représentation, ce dernier se faisant donc attaquer par les bêtes mythologiques. Après quelques recherches, j’ai trouvé deux images dont je me suis inspiré pour la disposition (ci-dessous, les images et mon schéma sur Paint). Ensuite, il a fallu faire le design du bateau : je me suis donc mis à la recherche de beaux navires grecs comme modèles afin d’avoir un gabarit qui me permet de bien placer les tesselles. J’ai finalement opté pour la galère ci-dessous (mon brouillon est juste à côté du modèle) Après, c’est au tour de Charybde et Scylla ! Pour le premier, j’étais partis pour faire un tourbillon d’eau pour respecter sa représentation habituelle. Mais finalement, j’ai rajouté les dents et les couleurs mauves bleu foncé et noir pour faire la gueule du monstre, avec une transition vers l’eau pour donner cette sensation d’émergence. Pour ce qui est de Scylla, ça a été plus compliqué, il fallait un design simple (sans trop de détails) pour pouvoir le reproduire avec les tesselles malgré leurs tailles empêchant trop de détails, mais qui permet en même temps de bien cerner la forme de la créature. De plus, je voulais lui donner un côté un peu dinosaure et j’étais donc parti pour designer avec des pattes assez grosses pour cela, je voulais m’inspirer des pattes des dragons du dessin animé du même nom (voir ci-dessous), mais je me suis finalement dirigé vers des pattes de Brachiosaure pour le côté plus préhistorique avec des pieds de Dragons de Komodo. Pour ce qui est des têtes de serpents, je me suis inspiré d’un design qui se prêtait bien au style mosaïque. Etapes de construction de la mosaïque J’ai débuté cette construction par le navire, les couleurs étaient toutes choisies, le navire étant en bois, je l’ai fait en différentes nuances de brun me permettant ainsi de différencier le pont du bateau de la coque et des rames. Pour ce qui est des voiles, j’avais le choix entre deux blancs, un blanc pur et un blanc un peu plus rosé, j’ai opté pour le rosé afin de se rapprocher un peut plus des couleurs que l’on pourrait retrouver sur une véritable mosaïque antique. Je voulais aussi rajouter des motifs en rouge sur les voiles du genre de ceux sur l’image dont je me suis inspiré pour dessiner la Galère (voir plus haut) mais me suis finalement ravisé par soucis de place, de lisibilité et donc pour ne pas surcharger la mosaïque. Je me suis ensuite attaqué à Charybde, après de longues hésitations et réflexions, j’ai décidé de représenter cette créature en vert, pour rappeler ce style préhistorique et reptilien. La partie intérieure de leur cou est jaune pour diversifier les couleurs et aussi pour permettre une meilleure lisibilité de la forme du monstre (pour éviter que les cous ne se confondent). Les têtes de serpents, elles, ont été réalisée en blanc afin qu’elles ressortent. De plus je voulais que leurs têtes aient un aspect d’os, nous permettant d’imaginer qu’elles aient une sorte d’exo squelette les rendant plus résistantes. C’est aussi ici que j’ai eu l’idée de rajouter les écritures en grec afin de combler les zones d’étendues d’eau et de mentionner quelque part ce que représente l’ouvrage. D’ailleurs pour la petite anecdote, j’ai travaillé sur du papier pour recouvrir les cahiers afin d’avoir une surface adhésive me permettant de modifier la construction si besoin. Ce faisant, le côté que je voyais en construisant, était celui par lequel la mosaïque à été fixée sur le support. Par conséquent, je devais réaliser le tout à l’envers, mais après avoir fini les écritures, je me suis rendu compte (comme vous pouvez l’observer ci-dessous) que j’avais oublié de l’écrire à l’envers. J’ai donc dû corriger cela. Pour terminer, j’ai travaillé le motif des bordures afin qu’il s’insère bien dans le cadre et j’ai décidé de le faire dans des tons bleus pour rappeler l’ambiance bleutée de l’eau du détroit. J’ai aussi réalisé Scylla, notre deuxième créature que j’ai fait dans des tons mauves afin de le différencier de l’eau. Pour conclure cette longue description, je tiens à vous remercier encore une fois pour votre soutien et aussi vous féliciter pour toutes vos créations plus exceptionnelles les unes que les autres. J’espère en tout cas que ce WIP vous aura plu 😉

Bienvenue @Flo-10 ! Je comprend tout à fait ce sentiment d'être déconnecté de l'enfant en soi. L'imaginaire petit que l'on perd en devenant grand. Comme-ci le monstre du placard était partit d'un coup. Ou encore la petite souris qui n'en a plus rien à y faire de nos dents 😅 Je crois qu'ici tu va retrouver cette connexion à cet enfant en toi. Tout part du plaisir, et avec la créativité on peut tout faire 😊 Tu pourras très rapidement vendre du rêve aux gens, comme tu le dis si bien 😉

Bonjour à tous, donc je m'appelle Nicolas et j'ai 30 ans. Je viens du sud de la France, mon parcours artistique commence par la musique à mes 18 ans(l'âge de la liberté 😉 ), puis quelques année plus tard, un jour j'ai eu une envi irrésistible de peindre et me suis donc lancé. J'ai d'abord énormément peins dans le style abstrait jusqu'à environ mes 25 ans, puis petit à petit j'ai eu envi de peindre des paysages un peu fantasque. A un moment donné n'ayant plus de place pour entreposer ma bonne centaine de tableau ( j'aime d'ailleurs assez regarder de temps en temps mes progrès en dessin avec) je me suis tourné vers le digital sur ipad il y' environ 3 ans. j'ai découvert digital painting school à ce moment la mais je n'avais pas les moyens de m'offrir les cours et j'avais un peu peur bien qu'étant déterminé et motivé à devenir un maître dans le dessin, j'ai toujours eu un tempérament qui se combinaient difficilement avec un apprentissage scolaire. J'espère que ces cours me donneront la connaissance nécessaire et plus rapidement, que si j'avait continué en autodidacte, pour arriver au sommet du dessin . Voila je pense avoir dit le principal et sinon bon courage à tous pour s'améliorer. 🙂

Bienvenue @crisarchidesign ! Alors pour ce qui me concerne le perfectionnisme est absolument une qualité ! Ce n'est pas un problème de chipoter pour des petits détails, gommer, gommer et encore gommer. Les plus grands possèdent également ce jugement perfectionniste qui finalement conduit souvent à ne "jamais" être satisfait de son travail. Mais du coup, imaginons que nous serions satisfaits dès le départ. Je fais un dessin et hop ! Je suis hyper content. Donc, je m'arrête là 😁 Ou est la progression ? Effectivement, la difficulté est comme cité plus haut, de savoir ou commence le plaisir et ou s'arrête le pénible. Si c'est pénible, irritant il faut s'accorder une pause et se recentrer. Si c'est un plaisir, alors la route est longue et merveilleuse 🙂 A chacun de trouver ses petites astuces pour ne pas se retrouver "contraint" dans sa propre créativité. Pour certain se sont les ballades, d'autres le sport ou encore la cuisine. Bref, une vie équilibrée est certainement la clé pour un artiste équilibré. Et puis ta situation familiale contribue aussi surement à cette nécessaire remise en question de tes priorités, tes désirs...Tes décisions. Elles sont à toi et pour toi 😉 Tu es au bon endroit pour ça 😊

Bienvenue @Enzo ! Ton chemin d'introspection a payé et te voici parmi nous 😀 Bienvenue à toi !

Merci beaucoup @Gregory Nativel! 🧚🏻‍♀️ Oui en effet ça demande beaucoup de travail c'est d'ailleurs un peu contraignant au niveau de la production c'est pour cela que si je devais envisager quelque chose de professionnel et notamment sur les demandes actuelles, me pencher sur le digital painting sur lequel je peux me positionner et travailler quand je veux, lorsque que j'ai fais une rechute à cause de mes pathologies, c'était impossible pour moi de rester assise, je n'avais même pas la force et mine de rien ça demande une résistance physique de pouvoir dessiner pendant des heures, mais maintenant que j'ai ma tablette avec procreate en cas de coup dur je peux toujours continuer même allongée hehe et quand ça va je suis sur mon bureau devant mon ordi Le travail de trait au niveau de la vision c'est aussi une horreur, j'ai déjà fait à plusieurs reprises des hallucinations visuelles et des migraines ophtalmiques 🥴 Bon après je suis hypersensible des sens à la base, même la tablette a tendance à me lancer dans les yeux surtout quand il y a trop de luminosité alors je la baisse souvent

Hello there Je suis Goot, j'ai 47 ans, et ça fait longtemps que j'avais pas ressorti ce pseudo ^^ Je suis là pour explorer de nouveau horizons du dessin. A la fac je faisais beaucoup de photo, j'avais mon labo chez moi ( oui l'argentique est d'un autre siècle xD). Je dessinais aussi, j'ai touché photoshop d'il y a 25 ans à la souris ... Depuis 10 ans je fais de l'aquarelle, j'ai aussi peint beaucoup de figurines avec mon mari et mon plus grand fils (fan de warhammer vv). Ma fille a eu une tablette graphique pour ses 15 ans, et... ben Je lui ai piqué. Résultat, je suis ici après avoir fait quelques tutos pour prendre en main cet outil étrange qu'est une tablette et le logiciel qui va avec. (je vais rendre la tablette en otage, j'ai trouvé mon cadeau de Noël) Voici les 2 monstres fait lors de ma prise en main, à partie du tuto de Spartan sur Krita (merci pour ces videos pour néophytes ) J'ai bien envie de me lancer dans les cours... Question : certains d'entre vous les suivent avec krita ou autre ? Je n'ai pas envie de passer sur photoshop, le logiciel libre me va bien, mais n'est-ce pas trop rébarbatif de ne pas avoir le même logiciel ? J'ai encore beaucoup de choses à apprendre sur krita... Au plaisir de se recroiser

Solution qui peut sûrement être polyvalente😄

Je s'appelle @goot ! 😅 J'étais obligé de la faire celle là ! Enfin bref, bienvenue par ici 😉 Tu es au bon endroit pour apprendre, et oui Krita est pas mal utilisé par beaucoup d'artistes. Je l'utilise moi-même. Et je l'adore 😀 La formation est ultra compatible avec ce logiciel. Moyennant quelques traductions parfois pas vraiment similaires entre Photoshop et Krita. Mais globalement, on s'y retrouve. J'aime beaucoup ta présentation pleine d'humour ! Et bravo pour tes petits monstres déjà bien réalisés 😊

Bienvenue @Julius ! Tu as pris la bonne décision ! Ne plus simplement regarder les autres, mais te regarder toi aussi 😉 Bravo pour ce pas de franchi. A bientôt !

Bienvenue @g_r_e_g ! Je suis aussi un Greg qui aime la nature 😁 J'adore planter et jardiner. Même si je n'ai pas toujours le temps. La connexion à la terre au travers de randonnées ou de simplement jouer dans la terre. Me permet souvent de décharger, me détendre. C'est certain que tu vas t'améliorer ici 😉 Pour l'inspiration, il y a de multiples défis et challenges. Que tu pourras relever entre les cours 🙂

Bienvenue @sebro ! Commencer par la 3D, pourquoi pas ! De toute façon tout va se rejoindre dans les notions basiques 🙂

C'est très beau ! Ca me fait penser à certaines lithographie que j'ai pu voir. Je ne connaissais également pas cette technique de cross hatching. Mais c'est clair que du a du en faire des traits 😅 Ca doit surement demander une grosse culture de la vision générale de ton sujet, puisque tu es visiblement dans du zoom perpétuel 🤔 Bravo !

Hello @goot ! Effectivement, parfois Krita bug un peu. Dans d'autres situations c'est un petit réglage ici ou bien là qui gêne. Il reste un logiciel très solide pour du digital painting, mais.... Comme tout, rien n'est parfait 😅 Je me suis aussi parfois arraché les cheveux dessus, tu n'es pas seul 🤣 De toute façon cette section Krita est un petit laboratoire de recherches. Ou il faut bien se creuser les méninges pour trouver la soluce 🙂 Pour le coup, la soluce de @Mac était des plus simplissime 😁

Salut ! Top ce premier exo 🙂

Bon courage à toi pour le revisionnage des cours. Ça m'arrive également de le faire car des notions indispensables ne rentrent pas dans la tête au premier coup (pour moi c'est la couleur par exemple 😬).

ça marche !!🤪🤗 je n'avais pas pensé à faire ça je retiens! merci ++++ @Mac (j'invoquerais ton nom 3X dans un miroir dès que j'ai un pb technique vv) ... j'avoue, ça me turlupine encore de pas comprendre 🙃😁

et si tu copies tout et que tu colles dans un nouveau fichier ?

Bonjouuur ! Merci @fabypour tout les conseils, j’ai un peu de mal à appliquer les valeurs sur cette illustration, j’ai préféré faire une ptite pause et revoir un peu les cours sur les valeurs justement. Bonjour @Kyam, merci beaucoup d’avoir pris le temps d’avoir fait un PO, je vois que effectivement, il y a quelques soucis au niveau de la perspective. C’est pas un sujet que je maîtrise, mais vraiment pas du tout ! 😂 Merci à vous deux, je repasse sur les cours de spartan (sur les ombres et les lumières) et je reviens sur cette illustration en appliquant vos conseils ! 🙂

Merci pour les retours, on va essayez de régler çà. Et voici l'exo 3 la photo de la rose( je ferais la montagne après elle m'appréhende un peu lol) , toujours sans l'aide croquis et palette, c'était assez difficile. j'ai quand même du pipeter la photo par endroit (même si j'essaye de faire sans pour entrainer mon oeil) pour trouver la bonne teinte.

Bonjour ou plutôt bonsoir vu l'heure pour moi 😅 Lorsque Spartan a énoncé le premier exercice : un premier painting d'imagination j'ai commencé à avoir une sueur froide car j'ai toujours été habituée à me référencer beaucoup mais j'ai voulu sortir de ma zone de confort mais pour autant ne pas partir de rien et l'évocation de Léonardus en tutu, je me suis dis pourquoi pas rigoler en essayant quelque chose de tout nouveau pour moi, j'y ai mis à peu près 8 heures, je me sentais pas faire plus et d'ajuster les valeurs ou des détails par exemple ... Mais j'ai fait de mon mieux pour respecter le character design de base On fera mieux la prochaine fois 💪🏻 Il est l'heure pour moi de faire un gros dodo maintenant 🧚🏻‍♀️✨ N'hésitez pas pour les retours

Merci ! Je suis motivé et prêt à relever les défis. J'apprécie vraiment tes encouragements ! @charlylili😁

Bienvenue Greg ! J'ai pensé un temps devenir "jardinière", je peux passer des journées entières à jardiner... Mon dos et mes articulations m'ont dis le contraire vv A bientôt sur le forum

Je comprends, en tout cas bonne progression dans le painting ✨ Merci beaucoup pour le compliment 🧚🏻‍♀️

Et le meilleur pour la fin (vous pensiez que j'étais pas inscrit hein). 1. Si tu étais un personnage de dessin animé, tu serais... 🐱🦸‍♀️ (Choisis bien, ça en dit long sur toi !) * Le vilain de l’histoire, c’est plus fun de toute façon ! --- 2. Ton style de couleurs préféré c’est plutôt… 🌈🎨 (Parce que toutes les palettes ne se ressemblent pas !) * Autre (donne plus de précisions!): Le noir et le rouge, comme les enfers. --- 3. Si ton animal totem pouvait te donner un pouvoir artistique, ce serait… 🐉🦄🐢 * La créativité folle d’une licorne pour des concepts déjantés --- 4. Le type de décor dans lequel tu aimerais peindre 🎑🛸🏞️ * Dans une scène de bataille épique (ça doit être intense !) --- 5. Si tu pouvais te faire dessiner un objet magique, ce serait… 🔮🧪🗡️ * Autre (donne plus de précisions!): Un casque démoniaque qui mettrait mes cornes en valeur --- 6. Ton humeur préférée pour une illustration : 🤔😍😭 * Autre (donne plus de précisions!): Démoniaque, mystérieux, tout en grandeur --- 7. Et enfin, un mot pour ton Secret Santa ? 🎅💌 (Un souhait, une blague, une petite anecdote… c’est ton moment fun !) Mon Secret Santa de l’année passé s’en souvient encore … alors es-tu vraiment prêt(e) ? mouhahaha

Hello @Thad.Portfolio Je t'ai fait un PO : Pour la perspective d'une pièce il faut s'imaginer dans un cube. Là tu as tout mis vers un point de fuite en oubliant de délimiter le fond de la pièce (une des faces du cube). - En haut à droite j'ai mis le coin de la pièce, tu as donc le plafond, le fond et le mur de droite. Tu peux éventuellement le monter pour relever le plafond. - La perspective de la table suit la pose du perso et le mur de la pièce. La fin de la table peut être repoussée là où tu l'avais mis. En tout cas le bras gauche a normalement largement de la place pour se poser. - La bougie on doit voir à peine le dessus du cylindre. Le fromage le dessus est "écrasé" à cause de la profondeur. Les côtés n'étaient pas parallèles. - Pour ton cadre qui est une fenêtre il faut une épaisseur. - Pour le perso j'ai remonté sa tête car le cou doit être un peu plus long, de plus ça permet de mieux voir son sourire. - épaule plus haute, coude posé sur la table - Pour le bras gauche on devrait à peine voir le biceps, après ça varie en fonction de sa position. Ici tu as les 2 bras avant bras presque parallèles ça fait un peu nœud graphique. - J'ai un recadré pour mieux centrer le perso. Voilà c'est surtout la perspective qui n'allait pas. Bonne suite dans ton painting. 😉

Bonjour, j’ai pris connaissance du défi seulement le 28, pas sûre d’avoir les 100 ccs

merci ! je vais me pencher là dessus 🤓

Hello 🧚🏻‍♀️ oui je poste tard hehehe Je vous poste le Time lapse de l'exercice 2.5, Spartan a énoncé que pour les niveaux intermédiaires qu'on parte de zéro alors c'est chose faite, je voulais voir si c'était possible de poster une vidéo mais il a fallut que je brise la résolution sinon ça ne passe pas : Messenger_creation_F27C5850-C927-4579-AF5C-883757BD8A3F.mp4

Et je déclare le secret santa ouvert ! Vous pouvez tous regarder dans vos boîtes mail, vous devriez avoir reçu une invitation pour tirer au sort ! Pour la livraison, vous pouvez poster à la suite de ce sujet à partir du 24 Décembre (jusqu'au 25) pour l'offrir à votre tiré au sort mystère. Pensez aussi à le ping, car nous sommes 61 à poster en même temps, le pauvre risque d'avoir du mal à vous trouver autrement! Si vous n'êtes pas disponibles les 24 et 25 Décembre pour livrer vos oeuvres, envoyez moi un mp avec l'oeuvre, le pseudo de la personne, et une personne du staff ou moi-même pourra la livrer pour vous. Bon painting à tous et à toutes, et que la magie de noël soit avec vous ! 🎄🎁 ✨

Mais j'ai fait également des dessins aux crayons de couleurs des études animaliers comme ceci sur feuille noire : Et des croquis j'aimais beaucoup en faire aussi, j'aime beaucoup les animaux

Coucou @goot🧚🏻‍♀️ Eh bien j'avais une technique que j'adorais oui c'était le dessin noir et blanc au fineliners avec la méthode du cross hatching dont j'ai fait études et compositions personnelles comme ceci :

Hello @Gregory Nativel Merci beaucoup pour ton retour ça me fait plaisir 😊 Merci pour le compliment et concernant le tutu effectivement c'est un peu délicat, de ce que j'ai observé tu as des filles qui ont des toiles qui sont maintenus par une rigidité afin de faire un effet de cercle ou de cloche ou tu as le tutu où il est totalement ample et retombe sur les cuisses, mais pour ma part je n'ai pas su rendre la matière correctement, j'ai voulu donner de la transparence mais je pense que c'est même un peu trop, c'est une partie du painting que j'ai moins travaillé et ça se voit visuellement parce que je me sentais pas à l'aise je ne savais pas trop comment m'y prendre mais je pense que que des superpositions de toiles visible sur le dessus aurait mieux rendus par exemple 😁 Puis avec le temps, j'ai observé en regardant les cours que Léonardus avait des griffes aussi au niveau des mains et je n'ai pas fait attention à ce détail, mais du coup je me suis dit ce n'est pas grave quand je le redessinerai à la fin du module je les ajouterais. En plus je compléterai son make up avec une pointe de vernis sur les griffes pour un effet girly 💅🏻 hihi Bise

Ca marche pour les corrections, très bien ! Vraiment cool ! Tu t'en sors bien c'est vraiment plus lisible et propre que le croquis d'origine, niveau anat tu t'en sors plutôt bien, good job !

Bonjour, bonjour, voici toutes les étapes de mon illustration d'Artémis. Tout d'abord voici les différentes références que j'ai utilisées : Je n'ai pas beaucoup fait de recherche de pose pour le personnage, car j'avais déjà fait plusieurs croquis, il y a un moment sur le thème de la chasse et j'en avais un d'Artémis qui me plaisait pas mal, mais que je n'avais jamais eu le temps de mettre au propre donc ce challenge était idéal pour moi. En partant de ce croquis, j'ai fait une version plus propre en rajoutant des détails et des éléments comme la biche par exemple. Une fois le croquis fini, j'ai rajouté des ombres et des lumières en nuance de gris, pour moi le but n'est pas d'être très précise, mais juste de me donner une idée globale et de voir si les éléments que je voulais mettre en avant ressortent bien. J'ai ensuite commencé le lineart, j'ai dû recommencer plusieurs fois, car le résultat ne me plaisait pas entièrement. J'ai ensuite posé mes aplats, pour les couleurs, j'ai repris les couleurs de mon croquis initial en ajoutant du rouge à certains endroits du personnage pour le faire ressortir, car le décor est très vert. Je me suis ensuite attaquée au décor, je préfère faire dans cet ordre là, car je n'aime pas trop faire les décors et que ce n'est pas le domaine dans lequel je suis la plus douée.😅 Comme ça, le plus dur est fait et je peux me concentrer sur la partie que je préfère, le perso ! Pour le fond, j'ai donc décidé de mettre une base très sombre puis j'ai rajouté un grand éclat de lumière en haut à gauche, j'ai mis quelques feuilles mais sans trop les détaillées juste pour voir si l'ensemble des couleurs allait bien ensemble. A partir de là, j'ai détaillé chaque plante, surtout celles en premier plan, celles de derrière je les ai faites un peu plus brouillonnes et surtout, j'ai rajouté le blanc du décor pour que ça se fonde. Je suis ensuite passée au perso, j'ai ajouté les ombres et les lumières en essayant de respecter la direction de celles-ci. Une fois les ombres faites, j'ai mis un calque brun en mode propriété avec une faible opacité pour foncer l'ensemble du perso et ensuite, j'ai rajouté plusieurs calques pour mettre de la lumière plus éclatante et donc rajouter du contraste. Une fois le perso terminé, j'ai mis les ombres sur la biche, à la base, je voulais un animal un peu mystique mais finalement, je trouvais la colo un peu plus "réaliste" plus belle alors j'ai laissé comme ça. Pour finir, je retouche encore quelques éléments, je modifie un peu les contrastes, la lumière et les niveaux de couleur. Et voilà mon illustration terminée en espérant que celle-ci vous plaira 😄

🙉 Comme toujours, vous souhaitez démarrer un document sur votre logiciel de création préféré. Et comme toujours la vue du formulaire peu engageant vous demandant le nombre de pixels, le mode colorimétrique ou encore le nombre de dpi vous donne envie de partir en courant. 🙊 Ou bien, vous avez terminé votre dernière création et très content.e vous avez eu l'idée de l'imprimer avant de vous apercevoir que la taille finale ne correspond pas à ce que vous espériez ou que les couleurs sont totalement décevante alors que ça rendait si bien sur écran. 🙈 Ou encore, sur votre écran votre paint est éclatant de belles couleurs mais sur celui de vos proches ou sur votre navigateur il apparaît plus terne, ou pire les couleurs ne sont pas les mêmes. Et vous voudriez l'afficher en 1920x1080 mais il ne fait que 800x600. Et vous découvrez avec effarement qu'il est impossible changer sa résolution sans basculer dans le pixel art. Si vous vous reconnaissez dans une de ces situations, ce tuto est fait pour vous. Sinon, n'hésitez pas à m'aider à compléter ou à corriger ce tuto de manière à ce que tout le monde en profite. Pour les aguerris de l'impression, j'ai souhaité rester le plus abordable possible dans l'intention d'éviter que les lecteurs s'enfuient en courant devant trop de technicité. Je m'en tiendrais à l'essentiel pour que la création de document ne soit plus qu'une étape évidente dénuée d'anxiété. S'il y a des coquilles dans le texte, ou fautes d’orthographe, signalez-les moi ! ------------------- Toutes les situations décrites plus haut sont liées à une méconnaissance globale du fonctionnement des logiciels, de l'affichage écran et de la chaîne d'impression. Pour ma part, lorsque je crée un document qui a priori n'a pas de destination spécifique, je m'assure toujours qu'il soit calibré à la fois pour l'impression et pour l'affichage. Cela implique parfois une part d'incertitude sur le résultat final, mais on a la garantie que l'usage et la qualité de l'image ne s'en trouveront pas impactés. J'ai choisi de diviser ce tuto en deux parties. Dans la première je me focalise sur l'essentiel de ce qu'il y a à faire, dans la seconde, je vous explique le pourquoi du comment. Voici le sommaire : 1. Créer un document 2. Comprendre Les modes colorimétriques L'impression Le mythe des 72dpi Écran et affichage Étalonner son écran Quelques petits trucs en plus Conclusion Créer un document Cas typique : J'ouvre mon document et voilà, que fais-je ? "Oh bah je vais remplir au hasard et on verra." Bon, voyons ça de plus près. Le titre pour rappel, c'est le nom du fichier que vous allez enregistrer. Aucune incidence, on passe. Premier problème, pixels, picas, cm, mm,... ? Si vous avez une idée bien définie pour l'impression, choisissez les cm ou les mm (format A4, A3, carte de visite). Cependant, préférez les formats standards aux personnalisés si vous n'êtes pas sûrs de votre coup. Dans tous les cas, consultez toujours le nombre de pixels. Plus il y a de pixels, mieux c'est. Attention toutefois à ce que votre ordinateur le supporte. Ce n'est pas la peine de partir sur du 10 000px x 10 000px. Le 1920x1080 correspond au format HD actuel qui remplace (si on fait l'impasse sur les formats intermédiaires) le 1024x768. Je préfère toujours démarrer sur des formats plus grands comme le 4k (ci-dessus un "faux" 4k de 3840x2160) et les réduire ensuite car, si on peut réduire autant qu'on le souhaite une image à l'écran, on ne peut pas l'agrandir sans détériorer la qualité de l'image (on dit que l'image est gonflée par le logiciel qui tente d'inventer des pixels qui n'existent pas). Au moment de la création, vérifiez que votre format a une taille en cm qui vous paraît acceptable (mais faites-le après avoir changé les dpi, sinon vous allez vous arracher les cheveux 🙃) Le format portrait/paysage (ou à la française/à l'italienne) est laissé à votre libre-arbitre n'hésitez pas à définir votre format avec précision. Les dpi... Mettez 300 on discutera plus tard. RGB (RVB en français) conviendra très bien (même si des contestataires diraient que non non il faut mettre en CMJN). Et le reste, on n'y touche pas, ce sera bien suffisant pour aujourd'hui. 2. Comprendre Les modes colorimétriques Tout ce que vous faites sur écran est fait de lumière. Tout ce que vous peignez, les couleurs que vous choisissez, les pixels de votre écran sont faits de lumière. Par conséquent, il est faux de croire que la peinture telle que vous la connaissez en traditionnel se transpose à l'écran comme si de rien n'était. Nous avons donc plusieurs modes de couleurs possibles. La lumière a pour base trois couleurs primaires Rouge Vert et Bleu. Lorsqu'on les additionne on obtient du blanc. C'est la synthèse additive, le RVB. Au contraire, les pigments utilisés pour les mélanges de couleurs sont le Cyan, le Magenta et le Jaune. Lorsqu'on les additionne, on obtient du noir. C'est la synthèse soustractive. À l'impression, on ajoute le Noir ce qui donne le CMJN. Il existe une littérature incroyable sur le sujet, je vous laisse donc le soin de chercher si cela vous intéresse d'aller plus loin. Bon, facile. Mais voilà, les logiciels en réalité, ne font que simuler le CMJN. Pourquoi ? Parce que le nombre de couleurs qu'un écran peut afficher est exponentiel. Or, les imprimantes ne peuvent pas imprimer autant de couleurs que votre écran le propose. On parlera alors d'espace colorimétrique. Mais nous pour l'heure, nous allons nous contenter de faire une petite expérience tiré du livre de Mark Gatter "Fabrication et prépresse". Sur l'image de gauche, la couleur a été sélectionnée directement dans la fenêtre de couleur avec le sélecteur. On notera qu'il s'agit d'un bleu pur dans les cases RGB puisque seule le bleu a une valeur et elle a son maximum, 255. Si vous retapez exactement les mêmes chiffres cette fois-ci dans les cases CMJN (ici 88 et 77), le curseur se déplace. Lol La raison est que sur l'image à gauche, la couleur sélectionnée est en RVB. Tout le potentiel de couleur peut être exploité. Tandis que sur l'image de droite, c'est l'espace colorimétrique CMJN qui est sollicité. Vous pouvez le constater si vous survolez le carré sous le panneau de mise en garde dans l'image de gauche. Le logiciel vous indique que cette couleur ne peut être reproduite à l'impression. Pour quelle raison ça peut être gênant ? Ici, la couleur est juste un peu ternie. A priori, l'impression se passera bien. Malheureusement, il arrive que les couleurs soient altérées. Le bleu devient turquoise. Les valeurs se rapprochent et les couleurs se confondent offrant au regard une bouillie de pigments. Pensez donc à vérifier régulièrement ce que vous êtes en train de faire. Pas la peine non plus de se prendre la tête, contentez-vous de rester vigilant. C'est une des raisons pour lesquelles travailler sur plusieurs calques bien organisés peut être salvateur. Il suffira de modifier une couleur (ou valeur) qui n'est pas bien gérée à l'impression. Pensez également que votre imprimante de bureau est bien moins capable de produire des couleurs qu'une imprimante chez un professionnel. Vous vous en servirez pour contrôler une épreuve (taille de la typo, marges, proportions), certainement pas pour imprimer une affiche. L'impression Bon bah, tant qu'on y est, on va tout de suite parler impression. En bon.ne petit.e malin.e, vous vous dites "oui mais il y a les couleurs Pantone, elles affichent la couleur que je veux, ça veut dire que je peux l'imprimer, donc tu me contrains pour rien". En général ça se termine par "donc tu as tort et donc je fais ce que je veux". Oui c'est vrai. Les couleurs Pantone sont des mélanges préparés qui permettent d'obtenir la couleur désirée. À condition d'y mettre le prix ! Et accessoirement que votre référence soit le nuancier Pantone (qui a son coût également mais on peut en trouver d'occasion). Si Photoshop affiche les couleurs Pantone, votre écran n'affiche pas toujours les couleurs fidèlement, faites attention. On y reviendra. Les dpi... Les fameux points par pouce (dot per inch). Alors à comprendre ce n'est pas si simple et je me suis cassé les dents plus d'une fois en faisant des recherches, non pas parce que le principe est compliqué mais parce que la littérature autour du sujet est contradictoire. Par exemple, certains traduisent digit per inch. Si ça ne s'appelle pas brouiller les pistes ça... Donc les dpi sont le nombre de points d'encre par pouce (mesure anglophone) que l'imprimante va déposer sur le support (papier ou autre). À différencier des dpi de votre iPad ou écran qui correspondent en réalité au nombre de pixels par pouce (ppp). Les dpi et les ppp ne sont pas transposables. Vous comprenez donc que si à l'impression vous demandez à l'imprimante d'imprimer 72 dpi, l'espacement entre les points va poser problème. Ce qui réduit donc la taille en cm de votre format pour obtenir une définition correcte. Sur la chaîne de l'impression on conseille donc 300 dpi pour des formats standards. 600 pour des très grands formats. 1200 pour des très très grands formats. Sauf si vous avez une ambition démesurée, 300 dpi est une bonne moyenne qui vous évitera bien des migraines. La dernière recherche poussée que j'avais faite m'avait amené à penser que les dpi de Photoshop n'ont rien à voir avec les dpi écran. Ils concernent l'impression uniquement. Or depuis, il y a eu de nouvelles versions, je ne me suis pas renseignée sur l'évolution du logiciel de ce côté-là. De son côté, Clip Studio Pro a une approche particulière des dpi. Je n'ai pas eu encore le temps de creuser par là non plus. Si quelqu'un est mieux informé, qu'il parle ou se taise à jamais... Quoiqu'il en soit, procédons à une petite expérience. Le mythe des 72 dpi Ouvre Photoshop. Créez un document en 1920x1080 à 300 dpi. Enregistrez-le en jpg et en psd. Créez un nouveau fichier en 1920x1080 à 72dpi. Enregistrez-le en jpg et en psd. Les documents en 300 et en 72 doivent être identiques. Si vous réduisez le nombre de dpi directement sur le premier fichier, le nombre de pixels va diminuer, l'expérience est faussée. Comparez le poids entre les fichiers en 300 et en 72, les deux jpg et les deux psd. 😖 "Mais d'où vient le mythe des 72 dpi si les images font le même poids ?" Quelle que soit ma formation, on m'a toujours appris "le web c'est du 72dpi pour les images, ça pèse moins lourd". Donc nous constatons que ce n'est pas la bonne raison. Pour ce qui est de l'époque des tubes cathodiques, il faudrait tester avec la première version de Photoshop pour comprendre si ça a vraiment un rapport avec le poids. Surtout, si quelqu'un a le matos pour le faire, donnez-nous la réponse en commentaire ! La seule raison que je vois aux 72dpi, c'est pour éviter le piratage des images. Que votre image ne soit pas imprimable dans un format acceptable. Vous conservez la résolution qui vous intéresse mais interdisez sa reproduction en quelque sorte. Du coup, oubliez tout ce qui est 96, 150, ou autre format en dpi. Ça n'a aucune influence sur le poids. À noter qu'on conseille toujours de publier sur le web des images à moins de 400ko. Je pense que ce n'est plus aussi vrai qu'avant. En général je reste à moins de 1Mo mais c'est plus par sécurité. Les paints dans un portfolio évidemment, peuvent dépasser cette taille. Écran et affichage "Cher écran, pourquoi n'affiches-tu pas les bonnes couleurs ?" En fait il y a le problème de l'écran et le problème de l'affichage. Par exemple, les navigateurs web n’interprètent pas tous les couleurs de façon identique. Photoshop vous propose d'utiliser le nuancier web dont je ne me suis jamais servie (ou plutôt auquel j'ai renoncé à chaque fois que je l'ai utilisé) et qui est franchement dépassé. Il peut juste être utile pour comparer quand on travaille sur un site, et encore... 🙄 Combiné au fait que chaque écran a sa propre colorimétrie, il devient difficile, ne serait-ce que sur le web, d'afficher exactement les mêmes couleurs. Ce qui signifie donc que lorsque l'on parle d'affichage, il faut renoncer à une certaine exactitude. Néanmoins, un bon écran est le garant d'un bon affichage et d'une bonne impression. Car l'autre obstacle à l'impression dont nous n'avons pas parlé, c'est bien sûr la qualité de votre écran. Si vous vous basez sur les couleurs qu'il produit, forcément si l'écran est faux, l'impression peut s'avérer... surprenante. Et si vous êtes comme moi, apprendre le digital painting sur un mauvais écran sera aussi démotivant que d'apprendre à jouer de la musique sur un instrument au son médiocre. Pour prendre plaisir à créer, il faut ressentir que l'instrument peut porter nos ambitions voire les dépasser. Si à l'achat vous ne pouvez pas vous permettre d'acheter un bon écran (consultez les avis des acheteurs surtout, ce sont eux qui répondront le mieux à vos interrogations), il nous restera donc le système D. La première chose que je vous conseille, c'est d'avoir un écran de référence type iPad par exemple (même si ce n'est pas le vôtre, l'idée c'est de checker votre travail). Votre smartphone peut également faire l'affaire s'il est de bonne marque. Ça servira surtout pour l'impression. Une autre possibilité sera d'étalonner son écran. Étalonner son écran Le principe est simple : si l'écran n'est pas bon, l'étalonnage ne fera pas de miracles. Deux premières solutions consistent à créer un profil colorimétrique à l'aide d'un assistant qui fera le job pour vous. La troisième sera une solution désespérée. 1. Des sondes sont disponibles à l'achat comme le Wacom Color Manager par exemple. Elles valent chers et leur degré de précision est important. Ce sera la meilleure solution sauf si on considère qu'à ce prix-là mieux vaut racheter un écran... 2. Windows (Apple étant très réputé pour sa qualité d'image, je resterai à Microsoft) dispose d'un outil permettant d'étalonner son écran. Le problème étant que ça demande d'avoir un peu l’œil, il faudra certainement s'y reprendre à plusieurs fois avant de trouver le bon dosage. 3. Comparer une épreuve imprimée (pas avec votre imprimante svp !) ou une image dans un écran de référence avec la même image présente dans votre pc. Procédez aux réglages de votre écran pour vous en rapprocher. Le plus dur sera sûrement de trouver la commande pour le faire vu qu'on conseille d'utiliser les boutons sur l'écran, s'il n'y en a pas ça se corse... Quelques petits trucs en plus Pour finir, quelques astuces à savoir qu'on ne nous dit pas forcément. Lorsque vous souhaitez imprimer une création, si celle-ci à un fond en couleurs, ce qui arrive souvent par ici, il sera utile de lui attribuer ce qu'on appelle un fond perdu de quelques millimètres. Je ne l'ai jamais utilisé sur Photoshop, je ne me souviens même pas si on peut le faire, je passe toujours par inDesign. Un logiciel dédié à l'impression possède des commandes toutes prêtes. Le fond perdu correspond à l'extension de votre couleur de fond en-dehors de votre format définitif. En clair, sur un format A3, vous ajoutez les mm au format. Et non pas retrancher, ce n'est pas le format qui est réduit au contraire. Si vous faites un fond perdu, il faudra y ajouter des traits de coupe. C'est-à-dire des repères pour l'imprimeur, qu'il puisse couper. L'intérêt du fond perdu c'est que la découpe n'est pas précise. Vous risquez alors de vous retrouver avec un bord blanc désagréable sur votre beau dp. En furetant sur Internet, parfois on tombe sur des pépites. Des gens se donnent la peine de vous préparer des fichiers tout fait pour configurer vos formats pdf pour l'impression, le web, l'affichage au moment de leur création. Je vous mets en lien un site qui m'a beaucoup rendu service : https://www.abracadabrapdf.net/category/ressources-et-tutos/prepresse-ressources/ Conclusion Voilà, ça faisait un moment que ce tuto me trottait dans la tête. Il a été l'objet d'un intense travail de recherches (et de plusieurs années d'expérience quand même hein!). J'aurais aimé aller plus loin mais je pense que ça aurait fait beaucoup trop. Si vous avez des questions, des remarques, des suggestions on se revoit dans les commentaires !